2 Формы художественной жизни в регионе Павлодарского Прииртышья

2.1 Многообразие понятия «Художественная жизнь»

Художественная культура, как одна из составляющих культуры, характеризует творческий потенциал отдельной личности и общества в целом. Значение художественного развития личности как важнейшего рычага общественного процесса возрастает в переходные эпохи, требующие от человека деятельной творческой активности.

В социокультурном пространстве художественная культура выполняет задачу соотнесения процессов создания художественных ценностей и процессов их восприятия публикой в соответствии с разнообразными духовными потребностями. В историческом плане главные функции художественной культуры – это обеспечение сохранения культурных ценностей, передачи их новым поколениям. Важной функцией культуры является также постоянная актуализация художественного наследия, включение его в духовную жизнь каждой новой эпохи. Понятие «художественная культура» не исчерпывается только сферой искусства, его восприятия и оценки. Функционально-организационная сторона художественной культуры охватывает формы организации художественной жизни как системы социальных институтов. Это выражается во взаимодействии художественного восприятия, художественного потребления и художественного воспроизводства эстетических и духовных ценностей. Актульно ввести в научную литературу имена, творчество художников, музыкантов, создателей творческих коллективов середины ХХ века, когда были заложены не только основы, но и главное содержание художественной культуры Казахстана, на основе интеграции и взаимодействия народного и профессионального искусства, а также искусства сопредельных территорий.

Наука и практика все чаще обращает внимание на художественно -эстетическую среду как способ установления взаимосвязи, диалога культуры и личности. B. C. Библер считал, что: «среда, наполненная художественно-эстетическими ценностями, дает способ жить и развиваться, создает мир как бы заново, в ней есть сила и действие». По мнению Л. П. Буева, Н. В. Гусева художественно-эстетическая среда формирует отношение к базовым ценностям, способствует усвоению социального опыта и приобретению качеств, необходимых для жизни. Ю. Г. Волков, B. C. Поликар представляя целостную социокультурную систему, считают, что художественно-эстетическая среда способствует распространению новых культурных ценностей, стимулирует групповые интересы, усиливает взаимоотношения.

Художественно-эстетическая среда – явление, которое охватывает целую систему лиц, общественных групп и учреждений ведущих художественную, музыкальную деятельность, различные виды этой деятельности (образование, творчество, исполнительство, распространение шедевров живописи, скульптуры, народно-прикладного искусства, музыки, восприятие), её духовные и материальные условия и результаты. Она чрезвычайно сложна, многолика и проникает во все поры общественной жизни. Следует отметить, что общие представления о художественно-эстетической среде, как определённом общественном феномене, сложились давно, но они в большинстве случаев носили и продолжают носить главным образом фрагментарный характер. Первые шаги по изучению художественно-эстетической среды, особенно региональной, стали предприниматься лишь в последнее десятилетие. Данная проблема с полным основанием относится к числу наиболее актуальных и сложных.

Художественная жизнь – это особая область духовной жизни общества, содержанием которой является производство, распространение и усвоение художественных ценностей. Художественная жизнь, наравне с жизнью духовной, складывается как взаимодействие трех основных систем: системы художественного производства, системы хранения и распространения художественных произведений и ценностей, системы художественного восприятия. Ядром художественного производства выступают различные виды художественного творчества, а также деятельность по подготовке и различные виды деятельности, которые обслуживают творчество (творчество декораторов, костюмеров в театре, мастеров музыкальных инструментов), художественную самодеятельность, художественные промыслы, художественную промышленность.

Система хранения и распространения художественных ценностей объединяет деятельность критиков, теоретиков искусства и других специалистов, которые, опираясь на функционирование различных социальных институтов и учреждений (средства массовой информации, музеи, выставочные залы, библиотеки, концертные залы) создают либо культурные условия для распространения художественных ценностей, либо материальные условия для распространения произведений искусства. Сфера потребления художественных ценностей включает в себя существующие в обществе формы доступа к произведениям искусства (посещение выставок, театральных спектаклей, кино, концертов, приобретение книг) и непосредственное художественное восприятие и усвоение содержания художественных ценностей.

Разнообразие, глубина и широта общественного распространения художественной жизни свидетельствует о степени развития художественно-эстетического сознания общества. В определении понятия художественная жизнь нельзя не обратиться к словам А. Бенуа: «говоря о художественной жизни, нужно различать два рода явлений: внутренние и внешние. Первые легко поддаются определению – каталоги выставок, статьи в журналах, отчеты обществ дадут все сведения. Не так с внутренней стороной. На самом же деле она наиболее важная. Важны переживания художников, развитие самой идеи искусства, ее колебаний. Но эта область остается почти вся таинственной, и о ней приходится говорить лишь догадками».

В содержание предмета художественной жизни входит круг явлений, составляющих саму художественную жизнь. Это в первую очередь само искусство и его взаимоотношения со зрителем, разные виды и формы выставочной деятельности общественные притязания различных художественных организаций и группировок и их действительная роль в культурном быте, художественная критика, ее воздействие на творческую практику равно как и обратное явление, которое испытывает критическая пресса, отражая тенденции развития искусства. Художественная жизнь складывается из следующих форм: художественное образование, музеи и галереи, творческие союзы, самодеятельное искусство, выставочная деятельность, художественный рынок, коллекционирование, концертная деятельность, художественная критика. Эти формы многообразны и определяются историко-культурной ситуацией отдельного города, региона и страны в целом. Художественная жизнь – отражение духовной жизни общества. Существует прямо пропорциональная зависимость одной категории от другой: чем динамичнее художественная жизнь, тем богаче духовная, и наоборот. Существующая связь прослеживается при рассмотрении сути основных форм художественной жизни. Например, художественное образование представляет собой развернутую систему профессиональной подготовки специалистов и приобщения молодого поколения, широких масс к художественному творчеству посредством специальных учебных заведений, широкой системы государственных и общественных мероприятий (художественные выставки, конкурсы, пропаганда изобразительно искусства), различных форм художественной самодеятельности.

Художественная выставка – это представление произведений искусства широкой публике, организованное на определенный срок. Выставки показывают творчество мастеров прошлого и современности, иногда совместно живописцев, скульпторов, графиков, архитекторов, художников декоративно-прикладного искусства. Выставки могут быть посвящены творчеству отдельного мастера, определенной группы, школы, направления.

Творческий союз – добровольная творческая общественная организация, объединяющая профессиональных живописцев, скульпторов, графиков, художников декоративно-прикладного и народного искусства, дизайнеров, художников театра и кино, композиторов, музыкантов, реставраторов. Основное направление деятельности организации – создание необходимых условий для творчества профессиональных мастеров изобразительного искусства, театра и кино, композиторов и музыкантов, входящих в ее состав.

Художественную жизнь формирует и музейное дело. С эпохи Возрождения музеями стали называть научные, научно-просветительские учреждения, а также здания, где хранятся выдающиеся произведения творческой деятельности человека или памятники естественной истории и материальной культуры. Наравне с музеями, художественную и духовную жизнь общества формируют и художественные галереи – государственное, общественное или частное предприятие, постоянно занимающееся экспонированием, хранением, изучением и пропагандой искусства.

Художественная критика – оценка, истолкование и анализ произведений искусства, явлений современной художественной жизни, направлений, видов и жанров современного художественного творчества.

Таким образом, духовная жизнь связана с духовным производством и функционированием социальных институтов (научных учреждений, музеев, выставочных галерей, театров, концертных залов, библиотек, кино) в рамках которых создаются и распространяются духовные ценности. В этом художественную жизнь можно рассматривать как целенаправленную организуемую обществом духовную жизнь людей.

Художественно-эстетическая среда Павлодарского региона в середине XX века развивалась как неотъемлемая часть социокультурных процессов бывшего СССР. Влияние исторической ситуации заметно во всех формах культурной жизни Павлодарского Прииртышья. Обладая тесной связью с художественными процессами приграничных регионов, художественная жизнь области имела некоторые особенности, связанные с культурным потенциалом, накопленным в рассматриваемый период.

У истоков зарождения художественно-эстетической среды Павлодарского Прииртышья середины ХХ века стояло культурное наследие, сформировавшееся в условиях социокультурного развития Казахской ССР, имевшего тесные связи со столицей и областными центрами республики. Ведомственное подчинение округа определило некоторые особенности его социального и культурного развития, в том числе деятельность художественных образовательных учреждений. Особенностями художественной жизни Павлодарского региона середины XX столетия были присутствие таких масштабных фигур, как: В. П. Батурин, И. П. Лопатин, И. В. Лагутин, И. И. Виноградов, Г. Э. Кроммер, А. А. Меттус, А. И. Шиллер, а также существование центра художественной и культурной жизни в городе Павлодар. В процессе формирования художественно-эстетической среды Павлодарского Прииртышья можно выделить несколько этапов:

Первый этап соответствует середине XX века (1928-1940 года). В этот период культурное пространство региона во многом формировалось благодаря деятельности членов общественных организаций краеведческой, благотворительной направленности. В. П. Батуриным была открыта изобразительная студия для детей, также художник работал преподавателем черчения и рисования в школе II ступени и в школе Водного транспорта. Усилиями членов областных организаций проводилась исследовательская работа, формировались музейные коллекции, предпринималась работа по охране исторического и культурного наследия региона Павлодарского Прииртышья, большой вклад внесен в развитие народного образования, театральной жизни города. Техническая и научная интеллигенция в этот период проявила себя как основной носитель городской культуры Павлодара. Основным центром художественной жизни в этот период становится город Павлодар.

Выделение второго этапа (1940-1945) обусловлено значительными изменениями в советской художественной жизни, связанными с выходом постановления ЦК ВКП (б) «О перестройке литературно-художественных организаций». Следствием культурной политики этого времени стало утверждения во всей стране единого творческого метода – социалистического реализма, а также единого художественного объединения – Союза художников. Павлодарская художественная жизнь на этом этапе отличается меньшей интенсивностью, что было связано с ужесточением культурной политики.

Военные годы – стали своеобразным периодом в культурной, в том числе художественной, жизни Павлодарского региона. Основными формами творческой деятельности художников военных лет стали: выпуск агитационных плакатов, оформление города к праздничным дням и интенсивная выставочная деятельность. Хроника Павлодарской художественной жизни периода Великой Отечественной войны обнаруживает ее тесную взаимосвязь с политической, общественной жизнью страны. Важным условием развития искусства в этот период стала работа, как в Казахстане, так и в Павлодарской области, эвакуированных художников, музыкантов, театральных работников из Москвы, Ленинграда, Харькова и других городов. Мобилизация художественных сил в регионе, обусловленная единым патриотическим порывом творческих людей, а также профессиональным влиянием эвакуированных столичных деятелей культуры и искусства дала новый импульс развитию художественного искусства следующих десятилетий Павлодарского Прииртышья.

Следующим этапом жизни региона стал восстановительный период. Художественная жизнь Павлодарского Прииртышья 1945-1950 годов отличалась преобладанием самодеятельного, студийного искусства. Творчество эвакуированных художников оставило значительный след в искусстве региона, но местные профессиональные художественные силы еще не были сформированы. На художественных выставках конца 1950-х гг. дебютировали многие художники, чье творчество определило черты изобразительного искусства Павлодарской области середины XX столетия. Интенсивность художественной жизни региона на протяжении первой половины XX века менялась в зависимости от причин исторического, политического, социального характера, меньшее значение при этом имели внутрихудожественные процессы. Определяющая роль культурной политики выражалась, с одной стороны, в ограничении творческой свободы художников, с другой стороны, в направлении развития Казахстанского искусства в общее русло советской художественной жизни.

Основными формами, в которых проявилось развитие художественной среды Павлодарского региона, стали художественное образование, выставочная деятельность, музейное дело, художественные объединения, а также творческая деятельность ведущих художников середины XX столетия. Основными целями создания творческих объединений стали поддержка художественной интеллигенции, организация просветительской, педагогической деятельности художников. Художественное образование и формирование музейных коллекций основывались на энтузиазме творческих деятелей, в то же время, эти направления работы осуществлялись в русле задач культурной политики государства.

Художественно-эстетическая среда занимает особое место как в системе культуры в целом, так и в духовной культуре. По уровню ее развития, по характеру созданных произведений судят об эпохе. Античность, Средневековье, Возрождение и другие исторические периоды узнают главным образом по художественной культуре, созданной в это время. Часто именами творцов обозначают время, в которое они жили : «эпоха Шекспира», «век Пушкина», хотя каждый из них прожил исторически короткий век – одну человеческую жизнь. Происходит это потому, что в художественной культуре проявляются самые существенные черты духовной жизни общества, потому что она активно воздействует на все другие формы общественной и духовной жизни – на мораль, религию, науку, политику и т. д., испытывая, в свою очередь, их влияние. Но, что самое главное, художественно-эстетическая среда непосредственно воздействует на человека, постоянно находится в контакте с ним, независимо от того, осознает он это или нет, приобщается к ней сознательно или, как ему кажется, безразличен к ней.

Художественная среда активно участвует в формировании духовного мира личности, творческой самореализации. Именно поэтому так важно понять своеобразие художественно-эстетической среды, особенности ее проявления, ее роль в развитии общества и место в современной жизни. Обычно понятие «художественно-эстетическая среда» отождествляется с искусством. И это не случайно: искусство – центральный и системообразующий элемент художественной среды. Оно обладает огромной культурогенной способностью, создавая целый ряд связанных с ним форм деятельности – художественное творчество, художественное восприятие, художественная критика и т. д., образуя вокруг себя «культурное поле» В научной литературе нет единого мнения в определении составляющих художественную среду элементов. Но при всем различии воззрений все авторы включают в художественную среду элементы, обеспечивающие ее функционирование: производство, распределение и потребление (восприятие, освоение) художественных ценностей – произведений искусства. Взаимодействие этих элементов художественной культуры носит конкретно-исторический характер, определяется особенностями развития общества и многими другими причинами. От соотношения и взаимодействия составных элементов художественной среды зависит возможность формирования творческой личности, востребованность (или невостребованность) произведения, созданного творцом, соответствие системы художественного производства, распределения, потребления художественных ценностей назначению искусства.

Художественно-эстетическая среда складывается исторически по мере развития общества и расширения сферы художественной деятельности и, оставаясь открытой системой, вбирает в себя новые формы и виды творчества.

Художественно-творческая деятельность, в результате которой создаются произведения искусства, появилась в глубокой древности. Все остальные элементы художественной культуры возникали постепенно на разных этапах развития человечества. Появление их было обусловлено такими причинами как: развитие общества и его потребности, развитие самого искусства, возникновение в нем новых видов и форм, необходимость создания условий для творческой деятельности, собирание и хранение произведений искусства, расширение возможностей для потребления художественных ценностей, необходимость осмысления и изучения искусства и т. д. Таким образом, художественно-эстетическая среда стала представлять собой совокупность процессов и явлений духовно-практической деятельности по созданию, распространению, освоению произведений искусства или материальных предметов, обладающих эстетической ценностью. Каждый из составляющих ее элементов связан с искусством. Так, для создания произведений искусства – художественных ценностей недостаточно только таланта художника, нужны еще условия, при которых талант и потребность в творчестве могут реализоваться. Это профессиональная подготовка мастера, предполагающая определенную организацию специального художественного образования; создание условий, при которых обладающий способностью к художественному творчеству человек мог бы обеспечить своим творчеством свое существование, то есть система приобретения художественных произведений, оплаты труда художника.

Искусство создается для людей – читателей, слушателей, зрителей. Значит, необходимо издавать, репродуцировать, исполнять, экспонировать художественные произведения. А это, в свою очередь, приводит к развитию разных форм культурной деятельности: книгопечатанию, издательской деятельности, организации выставок и салонов, постановке спектаклей и концертов и т. д. Вначале эта деятельность достаточно хаотична, но со временем обретает определенные формы. Появляются специальные выставочные помещения и музеи, концертные залы и театры, библиотеки и другие культурно-просветительные учреждения. Совокупность таких учреждений образует фундамент художественной культуры.

Художественные музеи – это просветительные, научно-исследовательские учреждения, где хранятся, изучаются, экспонируются и пропагандируются произведения искусства. Библиотеки – собирают, хранят, изучают, распространяют, пропагандируют книги. Письменная культура с момента появления книгопечатания стала сосредоточением накопленной человечеством информации. Именно поэтому библиотеки – насущнейший фактор культуры, а их состояние – символ состояния нации, по определению Д. С. Лихачева. Вполне естественно, что как организация, так и функционирование всех этих учреждений зависит от политического устройства общества, социально-экономических отношений, которые сложились и господствуют в нем. Художественно-эстетическая среда во многом зависит от культурной политики государства. Заказчики, обладающие возможностью приобретения художественных произведений, будь то государство или индивид, считают себя вправе определять художественную ценность искусства, а художник часто вынужден считаться с их взглядами и вкусами, поскольку иных способов реализации своих произведений он не имеет. Меценатов, доверяющих чутью и таланту творца и по достоинству оценивающих его творчество, по свидетельству истории немного.

Использование искусства как пропагандистского средства утверждения и определенных господствующих в обществе идеологических воззрений приводит к искажению гуманистической сущности искусства, сужению его общекультурного значения. В итоге человечество много теряет из-за невозможности художника полностью реализовать свой творческий потенциал.

Важным элементом художественной среды является потребление, восприятие художественных ценностей. Это особый вид творческой деятельности, состоящий в восприятии произведения искусства как художественной ценности, сопровождающийся эстетическим переживанием. Отношение к искусству не возникает стихийно. Оно складывается в зависимости от среды, в которой формируется человек, от образования, эстетического вкуса, жизненного опыта, ценностных ориентации. Особенно важны первые сведения, которые человек получает об искусстве. В зависимости от того, какое отношение к искусству он встретит в начале своего жизненного пути – уважение и любовь или пренебрежение, как к чему-то пустячному и необязательному для жизни, во многом зависит будущее отношение к искусству : появится устойчивая потребность в нем или сложится интерес только к его развлекательной функции. Первая информация всегда создает определенную установку, на которую, как на фон, накладываются все последующие представления. Данное обстоятельство обусловливает огромное значение организации системы художественного и эстетического воспитания, что должно стать одним из направлений культурной политики государства. Приобщение к искусству формирует уважительное отношение к нему, понимание его непреходящей ценности, осознания его особенностей, своеобразия каждого его вида.

Особое место в структуре художественно-эстетической среды занимает художественная критика. Критика (от греческого kritike – разбирать, судить) – это вид литературного творчества, состоящий в истолковании, объяснении и оценке художественных произведений. Определение художественной критики вслед за М. Ломоносовым дал А. С. Пушкин: «Критика – наука открывать красоты и недостатки в произведениях искусства и литературы. Она основана: 1) на совершенном знании правил, коими руководствуется художник или писатель в своих произведениях; 2) на глубоком изучении образцов и на деятельном наблюдении современных замечательных явлений».

Исследуя и оценивая художественные произведения, критика входит составной частью в искусствознание и сферу наук о конкретных видах искусства. В то же время она сама является частью художественного процесса. Художественная критика активно влияет как на творцов, так и на потребителей искусства. Тех и других, хотя и по-разному, она ориентирует в художественном процессе, помогая определить место каждого нового художественного произведения в нем, тенденции развития искусства, ценностные ориентации. Опираясь на теоретические основы философии и эстетики, художественная критика обладает возможностью глубокого осмысления не только искусства, но и самой жизни и происходящих в ней процессов.

Художественно-творческая деятельность протекает в обществе. Творческий процесс реализуется в двух формах – индивидуальной и коллективной. На творческий процесс влияют, а во многом и определяют его, те взгляды, воззрения, представления, которые сложились в обществе. Жить в обществе и быть свободным от общества – нельзя. Но общество, а тем более государство, пытается руководить творчеством, влиять на творческий процесс. Во многих государствах эту задачу выполняют министерства или комитеты культуры, существующие при правительстве. Они определяют культурную политику, делают государственные заказы и тем самым направляют творчество художников в нужное для данного государства русло. Они же организуют системы специальных учебных заведений, готовящих художников, музыкантов, артистов.

Часто сами деятели искусств образуют объединения с целью творческого общения и решения некоторых важных для данного искусства задач: популяризации творчества, организации выставок, заказов, издания произведений и т. д. Как правило, объединение происходит на основе общности творческих принципов. Так, в XIX в., в России, композиторы входили в творческое содружество «Могучая кучка», художники образовали «Товарищество передвижных выставок», которое продолжало свою деятельность и в XX веке. Артисты создали «Русское театральное общество» с целью содействовать развитию театрального дела. После революции 1917 г. в стране существовало много разнообразных творческих объединений писателей, художников и др. В 30-е годы все они были ликвидированы и созданы творческие союзы, объединившие деятелей искусства по видам искусства: союзы писателей, композиторов, художников и т. д. Их целью было организационное и идеологическое руководство культурой. С распадом СССР, творческие союзы не только утратили свое идеологическое содержание, но и лишились государственной поддержки. Сейчас они осуществляют задачу организационно-творческого единения деятелей искусства, что особенно важно для художников, писателей, композиторов и др., творчество которых носит индивидуальный характер. Как мы видим, структура художественно-эстетической среды сложна и включает в себя много разнородных элементов. Но все они существуют в тесной взаимосвязи друг с другом и вместе образуют определенную целостность.

Итак, художественно-эстетическая среда включает в себя: производство художественных ценностей, сами художественные ценности (произведения искусства, их распространение, воспроизведение, репродуцирование, потребление), искусствознание и науки о конкретных видах искусства, художественную критику, художественное образование, институты и организации, обеспечивающие существование и хранение художественных ценностей (музеи, выставочные залы, картинные галереи, концертные залы, театры, кино, библиотеки и др.), творческие объединения и организации.

2.2 Программные и ключевые произведения художников Павлодарского Прииртышья – уникальное культурное наследие республики Казахстан

Большое влияние на становление школы живописи в Павлодарской области оказали русские художники–передвижники – В. П. Батурин, который работал в городе Павлодаре в 1919-1929 г.г., Е. А. Клодт, который собирал изобразительные мотивы казахского орнамента (работал в 1927, 1930, 1934, 1935 годах). В 1956 году художники-профессионалы объединяются в производственные художественные мастерские КазИЗО, свои работы они экспонируют в залах историко-краеведческого музея им. Г. Н. Потанина – это М. П Колмогоров, А. М. Дьячков, В .А. Критинин, П. Г. Величко, И. П. Лопатин, Г. Н. Слюсарёв, В. В. Терещенко, Р. П. Ершов, Н. Н. Смородинов и другие. Их творчество отражало патриотическую тематику, образ человека-творца, красоты Прииртышья, мотивы Баянаульских гор, промышленного и индустриального строительства города Павлодара.

Удивительны в этом плане работы В. М. Мартынцева, выпускника Алма-Атинскского художественного училища (главное место в живописи – это портрет и жанровая картина в «суровом стиле», а также – пейзажи.). Лирические пейзажи характерны и для творчества М. П. Колмогорова, П. Г. Лысенко, П. Г. Величко, Н. Петерша, С. Шаронова, О. А. Шуранова, З. А. Соболевой и других. Художники реализуют в полотнах традиционную концепцию единства человека и природы, основанном на чувственном восприятии и переживании этапов жизни природы.

1960-е годы характеризуются началом развития монументального декоративного искусства (период капитального строительства общественных зданий и учреждений). 70-е-80-е годы знаменуются появлением в Павлодаре витражной живописи и декоративных панно.

«Королём витражей» называют павлодарского художника А. И. Бибина (вестибюли и банкетные залы ресторана «Иртыш» совместно с И. Курбатовым, С. Медведевым, Г. Слюсаревым; панно в плавательном бассейне города Аксу, тематическая композиция «Разбуженная степь» в ГДК и другое). С. Шаронов, Н. Петерш, Е. Камзин, В. Яцик также создавали свои интерьеры в оформлении зданий в технике витража, чеканки, керамики, резьбы по дереву. В 70-е годы XX столетия «павлодарское художественное братство» пополнилось именами В. Поликарпова, К. Темиргалиева, К. Баймулдина, А. Гулина, Е. Москвина, Г. Беспаловой, А. Игембаева, В. Яцика, О. Шуранова, С. Серикбаева, В. Приходько, Л. Хорошковой, П. Лысенко.

Гулин А. В. с 1974 года работает в городе Павлодаре, участник многих всесоюзных выставок. 90 работ, созданных на тему «Город. Лето. Зима». Гулинский Павлодар, по утверждению искусствоведа Н. Аверьяновой, это – «ребёнок большой реки и степи, урбанизированный, и провинциальный, город двух культур».

О Павлодаре живописали В. Яцик, В. Мартыненко, которые отлично владели техникой станковой живописи, графики, скульптуры.

В 1983 году создаётся Союз художников Павлодара. Жители областного центра знакомятся с творчеством Кабдыл-Галыма Каржасова, выпускника Алма-Атинского художественного училища, стипендиата Президентской стипендии 1997 года, лауреата Международного фестиваля искусств «Мастер-класс Казахстан 2000». Его полотна – это ностальгия чувств, одухотворенность, потребность в тишине, утверждает искусствовед Н. Аверьянова (научный сотрудник Павлодарского областного художественного музея). Основная тема его произведений – «Бытие человека». Он находит красоту в окружающих предметах, в пластике женской фигуры, в красоте вечности горных вершин.

Ежегодно проводится в залах Павлодарского художественного музея выставка Молодёжного проекта «М-арт», демонстрирует работы молодых художников – С. Пернебаевой, А. Солтанова, Д. Аймагамбетова, Е. Фридлина, А. Оразбаева, Т. Чевтаевой, Н. Соц.

Интересны с философской точки зрения работы А. Оразбаева. Его взгляд на окружающий мир основывается на чувственности. Живопись, как считает сам Андрей, более универсальна, так как «красками чувства и ощущения передать гораздо легче». Художник создаёт символ и каждый человек должен понимать его по-своему, «человек – вечная проблема, которая вечно решается и которая никогда не будет решена».

Благодаря просветительской деятельности коллективов музеев города Павлодара, молодое поколение знакомится с работами художников Павлодарской области и в целом, живописью Казахстана. Необходимость сохранения последовательной трансляции и популяризации культурного наследия народов Казахстана, в частности – шедевров изобразительного искусства закреплена в содержании Региональной программы «Культурное наследие» на 2004-2006 годы и планами мероприятий на последующие годы, поэтапно. В цикле «Изобразительное искусство», региональной программы «Культурное наследие», создаются серии фото и изоальбомов, а также отдельной серией «Художники Казахстана» вышли изоальбомы, посвящённые творчеству таких талантливых мастеров современности, как А. Кастеев, С. Калмыков, У. Тансыкбаев, в изоальбоме «Художники Павлодара» отражено творчество 29 художников и 8 графиков, использованы работы фотохудожников Павлодара – Едыге Ниязова, В. Ребикова и др.

Несмотря на то, что религия в Казахстане отделена от государства, она сегодня призвана пробудить людское сознание к созиданию добра, красоты, возрождению многовековых традиций народов, проживающих на территории Казахстана. Молодое поколение должно научиться различать «художественные образы бездумной и игривой европейской живописи» на современном этапе, идущей по пути развлекательности и коммерциализации, «бездумной декоративности и пропаганды западного образа жизни». Перед художниками независимого Казахстана открываются широкие возможности для творческого самовыражения в возрождении утраченных духовно-нравственных ценностей. Служить искусству хорошо, а сохранять его, совершенствовать в разных направлениях и передавать из поколения в поколение – ещё лучше. Именно изобразительное искусство становится своеобразной летописью жизненного пути человечества. В искусстве всегда должны проявляться новаторские идеи и творческое начало человека. Ещё в конце XIX века великий французский скульптор Огюст Роден обратился к молодым художникам со словами: «Молодые люди, желающие стать служителями красоты, благоговейно любите мастеров, которые учили вас. Уважая традицию, умейте различать то, что вечно плодотворно: любовь к природе и искренность. Пусть природа будет вашей единственной богиней. Каждый художник открывает всюду внутреннюю правду – сама красота. Будьте правдивыми, молодые люди… Искусство начинается лишь там, где есть внутренняя правда».

Говоря о художественно-эстетической среде Павлодарского края середины ХХ столетия, особо хочется отметить павлодарских работников культуры и искусства, которые оставили в наследие потомкам, своим землякам прекрасные, созданные на профессиональном уровне, произведения искусства.

Бибин Александр Иванович – один из ведущих мастеров изобразительного искусства Казахстана. Член Союза художников Республики Казахстан (1971 г.), академик Академии художеств Республики Казахстан. Живописью увлекся очень рано, еще в школьные годы все свободное время будущий мастер отдавал рисованию под руководством художника-педагога Ивана Угрюмова. Профессиональное образование А. И. Бибин получил в 26 лет, окончив Алматинское художественное училище имени Н.В. Гоголя (1965 г.). Занимался монументальным и декоративно-прикладным искусством, живописью и графикой. В 1972-1977 гг. создал ряд больших витражей в гостинице «Иртыш» (г. Павлодар), во Дворце культуры им. Естая (г. Павлодар), в Казахском музыкально-драматическом театре им. Ж. Аймаутова (г. Павлодар), в гостинице «Казахстан» (г. Караганда) и 10 витражей в гостинице «Сары-Арка» (г. Павлодар), которые получили большую известность в стране и за рубежом. Когда-то перед ним распахнул двери Мраморный дворец Русского музея Санкт-Петербурга. За всю историю существования музея сюда не приглашали ни одного казахстанца, А.И. Бибин стал первым. Участник всесоюзных, республиканских, зональных, областных и персональных выставок. Его творчество получило высокие оценки поэта Евгения Евтушенко, художника Олега Целкова, скульптора Эрнста Неизвестного, а также ряда известных искусствоведов и арт-критиков. Художник сумел создать собственный яркий, живописный мир. Кроме того, он был известен как художник, виртуозно изображающий руки. А. И. Бибин всегда считал, что руки – это образ человека. «Среди профессионалов изобразить руки считается гораздо сложнее, чем лицо. Соприкосновение рук с нашим миром очень велико. Голова несчастная наша думает, а руки делают. И делают удивительные дела, порой до кровавых. Руки для меня – отдельный элемент в моей картине» – говорил художник. Произведения находятся в собрании Государственного Русского Музея, Музее современного искусства (г. Москва), Павлодарском областном художественном музее, а также в других музеях, частных коллекциях СНГ и за рубежом. В 1971 году А. И. Бибин был принят в Союз художников СССР. Постепенно работы павлодарского художника стали появляться на выставках в Германии, Франции и Японии. Живопись А. И. Бибина очень неодносложна. Известный поэт-шестидесятник Евгений Евтушенко часто сравнивал А. И. Бибина с представителями московской и ленинградской школ. Он называл художника «одним из лучших художников современности». В столичной галерее искусств Has Sanat (г. Астана) проводилась выставка работ павлодарского художника Александра Бибина «Время внутри нас». В экспозицию было включено 46 работ, написанных преимущественно в 60-е годы, что и объяснимо вполне: один из самых неординарных художников современности был именно из числа тех славных шестидесятников, которые определили культуру огромной страны на десятилетия вперед и вошли в историю как явление необычайной динамики, мощи, мысли. Знаменитые «бульдозерные выставки» прогремели на всю страну, а были такие же художники и в далекой глубинке вроде Павлодара, где жил и творил, никому неизвестный, Александр Бибин. Творчество Александра Бибина часто относят к сюрреализму. С этим можно согласиться, а можно и нет. У павлодарского художника нет жесткой привязки к определенным символам и значениям, как в древних мифологиях. На его картинах чистейшая капля на теле человека может символизировать и незамутненность души, и чистоту рук, и просто сонную сладость детской слезы. Евгений Евтушенко, великий русский поэт, назвал его раблезианцем. Метафора знаменитого языкотворца имеет право на жизнь, безусловно: Александр Бибин умеет быть и громоподобным, и проникновенным, и особо внятным. Пропитанный мировой и в особенности казахской космогонией и мифологией, А. И. Бибин пишет едва ли не в каждой своей картине насекомых: бабочки, пчелы, стрекозы садятся на человека – это доверие к нему, ведь не улетают… да и сами они не кровососы – комаров художник не изображает. Вершина доверия – гнезда с птичьими яйцами на головах людей. Здесь допустимо влияние казахских мифов: это Жерұйық (земля обетованная), где птицы вьют гнезда на спинах овец. Его холсты исполнены доброты, лишены сентиментальности, а все его герои – хоть люди, хоть животные – из плоти и крови, наделены эмоциями. Нет в его работах иконописных ликов, идеальных античных лиц и фигур или персонажей, напоминающих времена Возрождения. Лица героев просты, подчас грубоваты, а по скульптурной лепке напоминают, пожалуй, «Едоков картофеля» раннего Ван Гога. Александр Бибин, как и большинство незаурядных художников, пытался заглянуть далеко вперед или в сторону. На некоторых его полотнах обилие образно-звуковых соответствий, и в название таких картин он включал музыкальные термины. Эти работы, как правило, построены строго по законам контрапункта, на противоборстве: зеркальная гладь озера – и восходящие, клубящиеся потоки теплого, густого, цветного воздуха, возносящегося чуть не к сполохам северного сияния. Таковы его «Вселенная Бетховена», «Соната озер». Художник любит праздники. Картина «Наслаждение дынями» выдержана в праздничных, веселых, тонах. Нельзя считать его работы исключительно бодряческими, самозабвенными. Порой они меланхоличны за счет иносказательности, метафоричности. Одно из самых мрачных полотен – «Крушение иллюзий». Жизнь Александра Бибина, родившегося в 1939 году, типична для многих людей его поколения. А.Бибин вспоминает своих учителей по алма-атинскому художественному училищу: «Это были образованнейшие люди. Профессор Черкасский учился в одном художественном классе с Серовым и Врубелем. Он был потрясающим рассказчиком, мы узнавали от него не только какие-то азы мастерства, но и живую историю живописи». Для произведений А.Бибина характерны тщательная выписанность деталей, активная власть эмоций, мощь мысли.

Галым Каржасов родился в 1954 году в ауле Ульгули Иртышского района Павлодарской области. В 1980 году закончил Алма-Атинское художественное училище им. Н. В. Гоголя (1976-1980 гг.). Член Союза художников СССР с 1988 года. Ученик Жубанова А. К., Аканаева А. А. Работы художника, начиная с 80-х годов, поражают зрителей на выставках эмоциональной активностью, энергией цвета, орнаментальностью, свободой духа и красотой, а также связью с европейской живописью. Работы Г. Каржасова находятся в фондах Государственного музея изобразительных искусств им. А. Кастеева, в галереях "Тенгри-Умаи", АРК-АРТ, "Улар" в Алматы, Павлодарского, Семипалатинского, Карагандинского и Атырауского художественных музеев, в частных собраниях Казахстана и Франции, Канады, Англии, США и Германии. Эстетический мир Каржасова лишен конфликтности, он действительно «мир», и все выразительные средства служат основной идее – гармонического строения мироустройства. Чувственность художника находит проявление в его отношении к фактуре. Художник прибегает к таким выразительным средствам, что делают поверхности его картин рельефными, выкладывает красочными пастозными мазками поверхности предметов, намеренно пастозно декорирует линии стилизаций. На гладком фоне общего письма это способствует дополнительной эстетизации образа. Модернистская изысканность цветосочетаний, гармоническая ритмичность, плавность линий – все в новом единстве, спаянности Востока и Запада. Один из первоистоков восприятия жизни отношения к прекрасному, к женщине, любви, понимания красоты сыграли поэтические образы И. Байзакова, его метаформы, а также тонкий лиризм с нераздельным добродушием, шутливой игрой и насмешливостью. Все это является основой ткани и его произведений. Пейзажные зарисовки акына эмоционально родственны художнику, спутники и его музы. Вхождение в наследие мировой художественной культуры обогатили видение Галыма, придали истокам силу большого мастерства. На синтезе прошлых культур, современных открытий создается новая история. Центральная модель в творчестве Галыма Каржасова – женщина как символ воплощения благородного достоинства и изысканности красоты. «Пластика и женская красота вдохновляют. Мужчины защищали своих женщин, матерей, детей. Если бы не было женщин, наверно, не о чем было бы и писать. Поэтому я, вдохновленный этой красотой, женской пластикой, пишу ее» – утверждает художник. Среди его работ «Портрет матери», «Куралай», «Легенда» и многие другие. Некоторые образы имеют земные черты, и в то же время все они не реальны, не портретны. Лица, фигуры выполнены художником в традициях классического европейского искусства – в стиле своеобразного «кубизма». Именно поэтому для многих, на первый взгляд, они кажутся странными.

Игембаев, Ануар Есмуханович (14.05.1954, с. Грязновка, Ермаковский р-н, Павлодарская обл.), живописец, Академик Академии художеств Республики Казахстан, член Союза художников Казахстана. В 1971 году окончил Жамбылскую среднюю школу. Окончил Алма-Атинское художественное училище им. Н. В. Гоголя (1977 г.). Автор повествовательных мотивов: «Сумерки» (1979 г.), серия «Я и мой аул» (1980 г.), «Мать и сын» (1982 г.), «Детство» (1984 г.). Живопись 80-90 годов обретает характер философского поиска и монументальной обобщённости: «Баянаульские горы» (1991), серия «Казахские степные мотивы» (1998, 2001 гг.), «В степи» (1999 г.), «Уш жуз» (2000 г.). В портретах подчёркивает выразительную конструктивность формы и глубокое проникновение в образ («Портрет отца» (1979), цикл портретов известных исторических личностей : К. Сатпаева, Г. Мусрепова, Г. Мустафина, С. М. Торайгырова, Абая Кунанбаева, Бухар Жирау, Коркыт, Касым хан, Кенесары, Мади, Едиге би, Шон би. Автор ряда монументальных работ: «Каникулы» (1985 г., роспись), «Аргамаки» (1986 г., маркетри), «Гостеприимство» (1992 г., роспись), «Казахские степные мотивы» (1993 г., роспись). Работы находятся в музеях Казахстана, в странах СНГ, а также в музеях и частных коллекциях зарубежных стран (Канада, Германия, США, Англия, Южная Корея, Египет, Турция). В начале творческой деятельности А. Игембаев часто обращался к теме своего детства, романтическим флером окутаны картины родного аула, изображаемые им родные и односельчане. Позднее он обратился в своем творчестве к истории, написал портреты великих деятелей культуры и науки Казахстана. Мастер обратился также к батальному жанру, показав борьбу казахских батыров за свободу родины. Увлечение художника казахским фольклором определило появление серии полотен «Мелодии казахской степи», в которых красота древней степи воспринимается в целостности поэтических, изобразительных и архитектурных символов.

Павел Григорьевич Лысенко родился в 1928 году. Окончил Алма-атинское художественное училище им. Н. В. Гоголя (1944-1949 гг.). Учителя: A. M. Черкасский, Л. П. Леонтьев, А. И. Бортников. В 1951-1952 годах учился в Вильнюсском художественном институте. Живописец. Педагог. Член Союза художников Республики Казахстан с 1970 г. Принимал активное участие в создании и открытии первой детской художественной школы. В 1979-1985 г. преподавал в школе-студии для художников-оформителей промышленных предприятий на общественных началах. Длительное время вел учебные семинары для учителей рисования школ города. В 1979-1981 годы – председатель художественного совета при Павлодарских художественно-производственных мастерских, а в последующие годы активный его участник. Работы находятся в Государственном музее искусств им. А. Кастеева (г. Алматы), в Павлодарском областном художественном музее, в выставочном зале г. Кустаная, в частных коллекциях Германии, США. Произведения репродуцировались в следующих изданиях: «Художники Караганды» (1979 г., Москва), альбом «Шахтеры» (1978 г., Москва), «Акварель Казахстана» (1989 г., Алматы), «Монументальное искусство СССР» (Москва). Персональные выставки в Павлодарском областном художественном музее в 1978, 1988, 1998, 2004, 2008 годах. Творчество живописца Павла Лысенко – одна из интересных страниц истории развития живописной культуры Казахстана. Пейзаж, как ведущий жанр в искусстве художника, находит яркое и самобытное выражение в течение многих лет его творческой жизни. Созданный на протяжении полувека его живописный образный мир притягивает и завораживает. Художественные особенности его произведений захватывают зрителя, раз и навсегда запоминается почерк, манера, колорит картин Павла Лысенко. После учебы в 1951-1952 годах в Вильнюсском художественном институте, впервые в 1955 году выступив на Алма-Атинской республиканской выставке художественного объединения КазИзо, а в 1957 получив диплом за картину «Утро», Павел Лысенко ощутил себя настоящим художником. Цветовую гамму Павла Лысенко обычно составляют два, три основных доминирующих цвета, а дополнительные, их основная масса, обогащают и гармонизируют колорит. Когда присмотришься к его цветовым оттенкам: жемчужным, светло-серым пятнам, мягким розовым, спокойным зеленым, теплым оттенкам земли, поля, мха, карминным цветам, понимаешь, каким богатством владеет художник. Пейзажный мир Павла Лысенко заключен в созерцательных минутах счастья, прочувствованных секундах восторга от совершенства красоты мира. Увидеть живописный желтый сентябрь в Павлодаре и запечатлеть это неповторимое мгновение в художественном образе, застыть в восторге от садов предгорий Алатау и найти свои цветовые соотношения, открыть для себя красные виноградники Крыма и уловить контрасты, которые прояснят пластику, соберут конструкции образа воедино, сгармонировать цвета, сообразуясь с объединяющими их оттенками, найти ударный цветовой тон – вот творческий поиск Павла Лысенко.

2.3 Влияние особенностей художественно-эстетической среды Павлодарского Прииртышья на творчество деятелей культуры региона

Процесс гуманизации общества, осознание ценности человеческой жизни, творческого потенциала личности как неповторимой яркой индивидуальности ставят нас перед необходимостью рассмотрении истории как творения людей живших в ту или иную эпоху. Поэтому невозможно обойти вниманием фигур представителей плеяды казахстанской интеллигенции павлодарского края, которые внесли огромный вклад в отечественную музыкальную культуру. Изучение деятельности этих фигур представляют большую значимость, так как с их именами связаны глубокие позитивные перемены в художественном развитии региона, формировании художественно-эстетической среды, творческих союзов, создании единой системы художественного образования в павлодарском крае. Осознавая всю сложность происходивших культурных преобразований, они выступали за прогрессивное развитие культуры, а в отдельных жанрах стремились сохранить их самобытность и уникальность. Ценнейшей частью документальных памятников являются материалы личных архивных фондов.

Исключительно велико значение данных источников для изучения жизни и творчества деятелей науки и культуры. Они дают возможность с наибольшей полнотой охарактеризовать их жизнь и деятельность. Несомненно, большую научную ценность имеют документы неизвестные ранее науке или известные лишь по цитатам, пересказам или упоминаниям. Изучение архивных документов следует проводить всесторонне. Принцип всестороннего изучения означает, что документы должны быть подвергнуты глубокому и тщательному анализу. Необходимо брать не отдельные факты, а всю совокупность относящихся к рассматриваемому вопросу фактов, опираться на исчерпывающий материал исторического опыта, глубоко изучая и анализируя документы.

С историей становления изобразительного искусства в Павлодаре связано имя русского пейзажиста, передвижника Виктора Павловича Батурина. Мастер высокой живописной культуры, сформированный на идейно-просветительских целях Московского училища живописи, ваяния и зодчества и товарищества передвижников, реализовался в Павлодаре в нескольких качествах: художник-станковист, педагог и театральный декоратор. В павлодарский период своей жизни Батурин-пейзажист написал множество живописных работ. Батурин Виктор Павлович (1863-1938) – родился 1 октября 1863 года в селе Становом Жердевской волости, Новосильского уезда, Тульской губернии. Виктор Павлович учился в школе для крестьянских детей, а затем был принят в реальное училище в г. Орле. Здесь впервые проявилась его тяга к рисованию, он брал дополнительные уроки рисования, карандашом и акварельными красками, учителя рисования П. Г. Некрасов (1844-1898 гг.) и Ю. Н. Савелов (1840-1915 гг.) рекомендовали ему поступить в Московскую школу живописи, ваяния и зодчества. В 1882 году он был вынужден уйти из 5- го класса реального училища и осенью 1882 года по конкурсному экзамену был принят в Московскую школу живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ). Его учителями были Павел Семенович Сорокин (1836-1886 г.г.), Сергей Иванович Иванов (1821-1901 гг.) – скульптура, Илларион Михайлович Прянишников (1840-1894 гг.), Павел Алексеевич Десятов (1820-1888 гг.) – живопись. Живопись в натурном классе преподавали: Владимир Егорович Маковский (1846-1920 гг.) и Евграф Семенович Сорокин (1821-1892 гг.), Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927 гг.). Затем прибавились по живописи и рисованию: Клавдий Васильевич Лебедев (1852-1916 гг.) и Николай Васильевич Неврев (1830-1904 гг.). Виктор Павлович был освобожден от общеобразовательных наук, так как программа 5 класса Реального училища соответствовала программе школы Живописи, за исключением специальных предметов. Историю искусства преподавал Сергей Яковлевич Лучшев, линейную и теневую перспективу преподавал Александр Портогенович Попов, анатомию человека – ректор Московского университета Смирнов. Смотрителем классов был Мжедлов Александр Захарович. Директором школы был Лев Михайлович Жемчужников. Каждый месяц проходили экзамены по искусству, лучшие рисунки учеников отбирались и в конце года по этим рисункам учеников переводили в следующие классы. На рождественских каникулах в школе устраивались ученические выставки картин, скульптуры и архитектуры. В Москве Виктор Павлович учился и жил на очень ограниченные средства, получая от родителей 7-10 руб. в месяц. Жил он в то время в Ляпинском общежитии. С ним жили его школьные товарищи: бароны Клодт Николай и Евгений Александровичи, Алексей Михайлович Корин и Василий Никитович Мешков. На досуге Виктор Павлович занимался копированием картин в Третьяковской галерее и Румянцевском музее. Ему начали заказывать копии с картин, и появился первый заработок. В 1884 году он был приписан к Орловскому мещанскому обществу для отбывания воинской повинности и был зачислен в ратники ополчения 2-го разряда. Школу живописи, ваяния и зодчества он окончил в 1888 году и участвовал в последний раз в ученической выставке давшей ему 1500 руб. В газетах и журналах «Артист» и «Русская Мысль» были опубликованы хорошие рецензии на работы Виктора Павловича. Через некоторое время после окончания училища он выстроил себе в Становом мастерскую, здесь им было написано много картин. Летом ездил на этюды в Крым, на Кавказ, Украину, Палангу, Смоленскую, Калужскую, Московскую, Тульскую губернию и др. В Москве жил товарищ его отца, присяжный поверенный Куприянов Х. В., принимавший большое участие в судьбе Виктора Павловича. По словам Батурина, именно он посоветовал Виктору Павловичу поработать под руководством Григория Григорьевича Мясоедова (российский живописец, один из самых ярких представителей русского реализма второй половины XIX века, основатель Товарищества передвижных художественных выставок) и познакомил с ним. Под руководством и по приглашению Григория Григорьевича Мясоедова работал у него на даче в Павленках под Полтавой. Много писал с натуры. Здесь был написан этюд для картины «Рубка леса», выставленной Виктором Павловичем на его последней ученической выставке. Картина была продана в первый же день выставки. Этюд к этой картине был куплен П.М. Третьяковым и ныне находится в Третьяковской галерее. Участвовал в трех выставках Товарищества передвижников (ТПВХ). (в Петербурге и Москве – 19-я в марте-мае 1891, 20-я в феврале – мае 1892 и 35-я в январе - марте 1907). Являлся одним из организаторов Московского передвижного товарищества художников. Эти выставки побывали в городах Орел, Тверь, Ярославль и др. Участвовал в выставках Петербургского общества художников – член общества с 1910 года. С выставки картин Петербургского общества его картина «Сад цветет», была куплена для Зимнего дворца. Спустя несколько лет после окончания школы Виктор Павлович решает поступить учиться в Петербургскую Академию. Собрав все свои этюды, он поехал в Петербург на просмотр к Архипу Ивановичу Куинджи. Хорошо знавший Батурина, ректор Академии Владимир Егорович Маковский представил его Куинджи (русский художник греческого происхождения, мастер пейзажной живописи). В 1888-90 годах работал художником - декоратором Большого театра в Москве совместно с другими художниками: Егорьевым Николаем Николаевичем, Сергеевым, Савицким и др. С 1890 по 1911 год состоял преподавателем рисования в частной гимназии Вишневской в Москве. С 1911 по 1914 год состоял на службе (рисовальщиком) на фабрике Полякова в Москве. Отделывал в Москве особняки в различных стилях. Расписывал церкви в Москве и на фабрике Полякова в Губайлове. В этот период Москва все больше и больше узнавала Виктора Павловича, работ с выставок ему никогда не приходилось брать обратно, все картины принимались выставками и продавались на них и в материальном отношении Виктор Павлович жил хорошо. Значительные суммы денег он отправлял родителям (благодаря этому, все братья и сестры получили образование). Картины его экспонировались на Всероссийской выставке в Нижнем Новгороде (1896 г.), на Всемирной выставке в Сан-Луи (1904 г.), на выставке в Берлине. Несколько его работ до революции находились в Румянцевском музее, в Цветковской галерее. Писал, в основном, пейзажи и натюрморты (масло, акварель): «Ненастье», «Весенний день», «Закат» (1885 г., музей-усадьба В.Д. Поленова), «Рубка леса» (1888 г., Государственная Третьяковская галерея), «Горный пейзаж» (там же), «Среди засек» (1892 г.), «На хуторе», «Москва-река» (1909 г., Иркутский областной художественный музей), «Весенние сумерки» (1910 г., там же), «Полевые цветы» (1910 г., Ульяновский областной художественный музей), «Дом Л.Н. Толстого в Ясной Поляне» (1911 г., Музей Л.Н. Толстого в Москве), «Дворик в Ясной Поляне», «Пейзаж в Крыму» (1912 г., Тульский областной художественный музей), «Домик лесника» (1926 г., там же), «Сад цветет» (1911 г.), «Морской берег. Коктебельская бухта» (1913 г.), «Речка в горах» (1923 г.), «Горная долина» (1925 г.) и др. Очень хорошо были встречены художественной общественностью его картины: «Дачный уголок», «На хуторе», «Ранняя весна», «Пруд», представленные на Периодической выставке в Москве в Историческом музее в январе 1903 года, а также картины: «Майское утро», «Ненастный вечер», «Ранней весной», «Желтеющая нива», представленные на периодической выставке в Москве в Историческом музее в январе 1904 года. На юбилейной ХХХ периодической выставке картин в 1910-1911 годах им были выставлены картины : «Цветник», «Цветы запоздалые», «Дача». Виктор Павлович был дружен с Ильей Львовичем Толстым, в 1914 году Виктор Павлович вместе с сыном Кириллом жил в имении Ильи Львовича Толстого в Калужской губернии – Мансурово, давно был знаком и с семьей Льва Николаевича Толстого, бывал у них в Ясной Поляне, писал этюды, многие из этих этюдов были подарены им в Московский музей Л. Н. Толстого. В это время картины Виктора Павловича пользуются огромным успехом, во всех частных галереях Москвы и Петербурга имелись картины Батурина: у Цветкова, Щукина, Морозова, Гиршмана, Солдатенкова, Кувшинова, Оглоблинского и др. С началом 1й Мировой войны Виктор Павлович получил назначение ехать в Симбирск в распоряжение уполномоченного по заготовке продовольствия для армии. После Симбирска работал в Самарской, Оренбургской, Уфимской губерниях, где принимал купленный скот, формировал гурты и отправлял их по назначению. В ноябре 1918 года из Уфы был переведен в Каинск. В мае 1919 года был переведен в станицу Песчанскую Павлодарского уезда Семипалатинской губернии. 29 декабря 1919 года в Павлодар вошла Красная Армия и Виктор Павлович передал остававшиеся у него 5000 голов скота коменданту города. В 1920 году был назначен ответственным по реквизации скота на озеро Маралды, в 80 верстах от Павлодара. Осенью 1920 года был назначен заведующим мясным складом в Павлодаре. В то время в Павлодаре никто не знал, что Виктор Павлович художник. Когда об этом узнал Председатель Павлодарского Исполкома, то дал ему работу по специальности. Его назначили преподавать черчение и рисование в школе II ступени и в Школе Водного Транспорта. Написал декорации в Городском театре Павлодара. В 1923-1926 годах писал этюды на Алтае, где сопровождал экскурсию учеников Школы Водного Транспорта. В этот период он написал несколько картин и через Илью Львовича Толстого, жившего в то время в Америке, отправил их на продажу в Америку. Это давало ему средства на жизнь. В апреле 1924 года он заболел от переутомления, доктора запретили ему заниматься в школах, и он был признан инвалидом 2-й группы. В это время он пишет декорации для клуба Водников, городского театра, рабочего клуба. Принимал участие в Московской выставке 1923 года, в Иркутске в 1925 году и две картины подарил в Иркутский музей. В 1928 году им сделан эскиз пьедестала памятника В. И. Ленину в Павлодаре. В городе Павлодаре им была организована изостудия для детей. В начале лета 1930 года Виктор Павлович уехал из Павлодара в Боярку, (дачное место под Киевом), там жила его сестра Ольга Павловна Батурина.

С именем Александра Ивановича Шиллера, первым организатором и руководителем первого в Казахстане русского народного хора, лауреатом республиканских и всесоюзных конкурсов, заслуженным работником культуры Республики Казахстан, музыкантом и композитором, поэтом-песенником, связаны становление и развитие хорового искусства Павлодарской области в середине ХХ века. Александр Иванович Шиллер – непросто имя, а целая эпоха в истории культуры, клубного дела не только павлодарского Прииртышья, но и всего Казахстана. После переезда в город Павлодар в 1957 году руководил хором клуба завода «Октябрь». Главной задачей хора А. И. Шиллер видел в том, чтобы исполнялись песни Павлодарских авторов, прославляющих труд людей целины, строителей, рабочих индустриального Павлодара. Рабочие и служащие «Октября», жители окрестных улиц и кварталов охотно стали посещать организованный Шиллером хор русской песни. В 1960 году хор участвовал в Республиканском смотре, посвящённом 40-летию Казахстана, где стал победителем конкурса. Творческой группой была подготовлена литературно-музыкальная композиция «Мы славим Павлодарские просторы». В 1961 году Решением Президиума Казсовпрофа хору А. И Шиллера первому в республике было присвоено звание народного. В 1962 году А. И. Шиллер и весь хор перешли на машиностроительный (позднее тракторный) завод. Одновременно он учился : в 35 лет уже семейный человек И. Шиллер поступил учиться в Павлодарское музыкальное училище и осваивал теорию, опираясь на свой практический опыт. Репетиции, гастроли, постоянная нагрузка по летним агитпоездам. Было время, когда численность хора достигала 800 человек. Для сменяющихся поколений студентов музыкального училища хор был лучшей базой для прохождения практики. Многие участники хора были неподготовленными, начиная свое творчество любителями, со временем становились профессиональными артистами - музыкантами, певцами, хореографами и балетмейстерами. Поездил хор во главе с Александром Ивановичем Шиллером и по Советскому Союзу, и прежде всего ко всем тракторостроителям в Челябинске, Липецке, Волгограде, Харькове, Рубцовске, Владимире, Минске, Ташкенте, Чебоксарах и других городах. За сорок с лишним лет он дал более 1500 концертов, получил множество грамот, ценных подарков, правительственных наград, а также аплодисментов благодарных зрителей всего многонационального Советского Союза. За эти годы хор побывал в более чем 146 городах и сёлах огромной страны. Просветительская работа по становлению и развитию музыкальной культуры в Павлодаре и области заполнило всё время А. И. Шиллера. Кроме работы с хором он выполнял и другую работу: помогал поднимать и укреплять хоровую самодеятельность в области. А. И. Шиллеру поручают создать в селе Константиновка немецкий фольклорно-этнический коллектив «Эренгольд» (Золотой колос). Как говорилось выше, концерты «Эренгольд», для большинства Казахстанцев и жителей других регионов бывшего СССР, были настоящим открытием. Программам своих концертов Шиллер уделял большое внимание. Тщательно, до самых мелочей выверенные, они говорят о высокой культуре, большом уважении к тому, что делалось коллективом для многих тысяч людей, а самое главное об огромном уважении к зрителям. Тактичный, опытный педагог, ни разу не сказавшим никому грубого слова, А. И. Шиллер был эталоном культуры. Мягкий укор, тихое слово – действовало сильнее окриков. Сама работа с людьми, с творческим материалом дала ему возможность открыть в себе то главное, без чего не может состояться настоящий талант – потребность в высокой самоотдаче, стремление к высокому качеству и серьёзному результату. Интеллигент, любивший людей, горячо поддерживающий таланты, человек высокой культуры, умевший полностью отдать себя делу, он был в постоянном поиске. Композитор, поэт, песенник, руководитель русского народного хора А. И. Шиллер написал около тридцати песен. Открывает их список самая любимая для всех хористов – «Иртышская лирическая» – гимн, эмблема народного хора тракторного заводского. Фрагмент музыкальной фразы одной из его песен стали «позывными Шиллера», она много лет звучала по Павлодарскому радио, открывая каждое утро новый день нашей области. Главной темой своего творчества А. И. Шиллер, избрал красоту природы Павлодарского Прииртышья, душевную красоту живущих здесь людей. Мелодии свои он создавал и для русских, и для немецких песен. Музыка, народная песня поначалу были для него приютом души, но потом стали судьбой, помогли расцвести его оригинальному таланту.

Об Артуре Меттусе – музыканте, художнике, композиторе, педагоге, фотохудожнике, заслуженном деятеле искусств Республики Казахстан, чья педагогическая и творческая деятельность неразрывно связана с Павлодарской областью, говорят с всеобщим восторгом и любовью. Пятьдесят лет жизни, полные творчества, композитор отдал Павлодару и Павлодарской области. Подлинный музыкант-просветитель, он один из тех, кто стоял у истоков всех музыкальных начинаний в Павлодарском Прииртышье. А. Меттус родился в немецкой колонии Голубовка Луганской области на Украине. Его отец Александр Михайлович переселился на Украину из Эстонии, а дед по матери приехал в Россию в первой половине XIX века из города. Данцига. Большое место в жизни их семьи занимала музыка. У деда с бабушкой было пятнадцать детей, вся семья хорошо владела музыкальными инструментами. В их доме была выделена специальная комната «Musikzimmer», где стояли фисгармония и граммофон, а на стенах висели скрипки, гитары, мандолины, балалайки. Популярными были и музыкальные вечера в доме деда. Истоки творческой многоплановости можно обнаружить в самом раннем детстве Артура Александровича. «Музыкальные вечера в доме деда, куда приходило всегда много односельчан, были для меня сильным творческим импульсом» – вспоминает Артур Александрович, – «и хотя мне тогда было семь лет, я до сих пор хорошо помню и могу воспроизвести их репертуар. С пяти лет я играл на балалайке, с семи – на фисгармонии, с восьми – на скрипке, подбирая музыку на слух. Мы поочередно жили то в деревне, то в городе, и я бойко говорил по-немецки, по-русски и по-украински. Наша семья в составе отца, матери и меня (пятеро братьев и сестер умерли еще в детстве) тоже часто музицировала. Родители, особенно отец, прекрасно пели». После окончания начальной деревенской немецкой школы в 1934 году Артур продолжает учебу в русской школе в г. Луганске. Посещения концертов симфонической музыки и оперного театра вдохновили его постичь нотную грамоту с помощью самоучителя. Кроме музыки, Артур в эти годы очень увлекся астрономией. Свободное время днем проводил в областной библиотеке, изучая любимый предмет, а ночи просиживал у своего самодельного телескопа. Мечтая стать астрономом, готовился поступить на физико-математический факультет. Этому увлечению способствовала школа, но помешала война. В начале сентября 1941 года, А.Меттус, как и другие немцы, был выслан в трудовую армию на Северный Урал, в городе Краснотурьинске, где работал на строительстве алюминиевого комбината чернорабочим. Лишь через год А. Меттус узнает, что его мать выслали в село Майское Павлодарской области, и стал с ней переписываться. В лагерной больнице познакомился с Фридрихом Лутц, композитором из города Саратова, у него получил первые уроки по теории музыки, инструментоведению. В 1944 году Артура Александровича перевели на работу на лесоучасток, где имелся комплект русских народных инструментов. Сначала А. Меттус играл на балалайке, а затем стал руководителем самодеятельного оркестра лесников. Нот не было, и всю концертную программу приходилось делать Артуру Александровичу. В этом смешанном оркестре он играл на скрипке. В 1946 году его перевели на работу на лесозавод, без отрыва от производства Артур Александрович окончил десятый класс школы рабочей молодежи. Получив аттестат зрелости в 1947 году, Меттус переехал в город Павлодар к больной матери, где в 1948 году она умерла. Свою карьеру музыканта Артур Александрович начал скрипачом оркестра Павлодарского областного драматического театра, с 1951 года стал заведующим музыкальной частью театра. Делал музыкальное оформление спектаклей, а к некоторым постановкам всю музыку сочинял сам. В 1953 году поступил на третий курс теоретического отделения Алма-Атинского музыкального училища, а после его окончания в 1955 году Артуру Александровичу удалось поступить в Алма-Атинскую государственную консерваторию, которую окончил в 1960 году по классу композиции профессора Е. Г. Брусиловского. Вернувшись в Павлодар, становится непременным участником и организатором многих замечательных событий в музыкальной жизни города и области. Памятны концерты эстрадного оркестра под руководством А. А. Меттуса. В конце шестидесятых годов в Павлодаре и Павлодарской области гремела слава народного театра оперетты (основатель народной оперетты А. В. Егорова-Лопатина), художественным руководителем и дирижёром которого был А.Меттус. Он же был создателем симфонического оркестра музыкального училища и в течение двадцати пяти лет являлся его руководителем. А. А. Меттус с 1960 года по 1988 год, до ухода на пенсию, работал педагогом в Павлодарском музыкальном училище. Он возглавлял отделение теории музыки в Павлодарском музыкальном училище. Свой педагогический дар он осознавал с детства. Композитор в воспоминаниях пишет, что в детских играх всегда был педагогом. Находясь к кругу старших, даже взрослых, он умел подчинить их своей творческой воле и повести за собой. Он легко находил контакт и с маленькими учениками музыкальных школ, и с учащимися музыкального училища. За четверть века Меттус – педагог подготовил и выпустил более ста шестидесяти теоретиков музыки, в их числе есть и профессиональные композиторы. К числу его учеников с благодарностью относят себя и многие исполнители-струнники, пианисты, дирижеры, духовики. Многие его воспитанники удостоены высоких званий и степеней, работают не только в странах ближнего, но и дальнего зарубежья. Теоретик музыки, Артур Александрович по природе своей был музыкантом-практиком, щедро одаренным чувством оркестра, ощущением полифонии тембров. Все это проявилось в одном из его любимых занятий – дирижировании. В детстве и юности Артур Александрович был постоянным исполнителем и руководителем многих инструментальных и вокальных ансамблей. «Я никогда не вел первый голос, а всегда расцвечивал основную мелодию подголосками» – вспоминает он о тех временах своего инструментального музицирования. Тяга к инструментальному музицированию повлияла и на композиторское творчество Артура Александровича. Читаем в его документах: «мои сочинения : концерт для скрипки с оркестром, концерт для баяна с оркестром, симфоническая поэма «Waldestust», карнавальная сюита для симфонического оркестра в 4-х частях, романс для скрипки с оркестром, вариации для скрипки с фортепиано, две поэмы для фортепиано, одна из которых посвящена Павлу Васильеву, сюита для скрипки и фортепиано в 5-и частях, поэма для баяна, цикл немецких песен на слова казахстанских немецких поэтов. Произведения для хора, камерного, духового, эстрадного, русского и казахского оркестров. Произведения для скрипки, виолончели, фортепиано, трубы, флейты, кобыза, домбры и другие». Всех, кому посчастливилось общаться с А. А. Меттусом, поражает поистине энциклопедическое разнообразие его дарований и увлечений. В числе увлечений художника, по натуре романтика, мечтателя, лирика – музыка и астрономия, охота и география, шахматы и фотография. В 1961 году А. А. Меттус становится членом Союза композиторов СССР. Многие годы он был бессменным председателем жюри на различных музыкальных конкурсах, членом правлений Прииртышского отделения Союза композиторов и областного музыкального общества, членом президиумов Фонда культуры и областного отделения Комитета защиты мира, президентом фотоклуба «Орион». Его работы успешно экспонировались не только на клубных именных выставках в Павлодаре, но и на ВДНХ в Москве, а также и на международных выставках в США, Франции, Испании, на Филиппинах. В числе творческого наследия А. А. Меттуса – ноты его произведений, сборники его песен, программа отчетного концерта Павлодарского музыкального училища имени П.И. Чайковского за 1961 – 1962 учебный год, где дирижером симфонического оркестра значится Артур Александрович, приглашение Союза композиторов СССР на VII Всесоюзный съезд композиторов, открывшийся первого апреля 1986 года, удостоверение делегата VIII Всесоюзного съезда композиторов и мандат III съезда композиторов Казахстана с правом решающего голоса, фотоработы А. А. Меттуса. А. А Меттус творчески сотрудничал с немецким ансамблем «Фройндшафт», для этого ансамбля в 1974 году он написал целую концертную программу в городе Караганде. В композиторском творчестве А. А. Меттуса есть и песни, и хоровая музыка и романсы для скрипки с фортепиано, и крупные оркестровые сочинения – симфоническая поэма, сюита «Кубинский карнавал». Многие свои произведения он посвятил родному городу, одно из них популярное среди павлодарцев «Мой родной Павлодар» В последние годы появились сочинения для флейты, трубы – это отражение мыслей, волнующих творца: духовое и духовное, музыка и космос. Сколько поэзии и цветовой гаммы, поэтической живописности, музыкальных образов хорового ноктюрна «Весенняя ночь», в прелестных песнях «Осенняя мелодия», «Весенний вальс», в пьесе для фортепиано «Импровизация».

Поиски деятелей художественной культуры, а именно тех, кто работал над созданием художественно-эстетической среды Павлодарской области, привели к интересной судьбе и творчеству Токбая Жумагулова.

Токбай Сыздыкович Жумагулов родился в 1882 году в селе Борили Лебяжинского района Павлодарской области. Это был коренастый, ниже среднего роста человек, с добрым ласковым взглядом Часто можно было увидеть в его руках балалайку, и удивительное дело – гриф этой балалайки был в полтора раза длиннее грифа обычной балалайки. Кроме того, она имела восемь струн и гитарный аккорд, С малых лет он был популярным певцом Павлодарского края. Его виртуозная игра на многих музыкальных инструментах поражала публику. Но особую любовь Токбай питал к балалайке, которую постоянно переделывал на свой лад. Его пяти, шести, восьмиструнная балалайка с гитарным аккордом звучала всюду (хранится в Павлодарском музее литературы и искусства им. Бухар-Жырау). Являясь потомком бая, Токбай долгое время находился в изгнании, но никогда не расставался с музыкой, песней. Большое влияние на его творчество ещё в детстве оказали Жаяу Муса Байжанов, Естай Беркимбаев, Жарылгапберды и его отец Сыздык. В 1933 году Токбай был приглашён в Новосибирскую область для исполнения песен. С этого времени начинается его творческая деятельность. С концертами он выступал в Барнауле и Новосибирске, Кемерово и Новокузнецке, в Западно-Сибирском и Алтайском краях. Всюду, где бы ни выступал Токбай, его песни воспринимались с большим успехом. Вместе с песнями известных народных казахских композиторов Биржана, Естая он пел русские, татарские песни. Виртуозно исполнял на балалайке русские песни-пляски: «Камаринская», «Подгорная», «Светит месяц», украинский «Гопак», польские, чешские, татарские песни и танцы. Особенно большой восторг у публики вызывали песни «Еқі жирен», «Галия Бану». В 1937 году Токбай три месяца выступал с концертами по радио в Улан-Удэ. Ведущий композитор Монголии Елович заинтересовался пением Жумагулова, его игрой на балалайке, умением легко и верно схватывать самую суть песни, раскрывать её внутреннее богатство и красоту. Так, благодаря поддержке музыканта-профессионала Токбай долгое время был равноправным членом концертно-эстрадного бюро Монгольского радио. В своих творческих поездках в городе Семипалатинске Токбай встречался с Жуматом Шаниным, Кали Байжановым, Исой Байзаковым, выступал с ними в одном концерте. Как певец-инструменталист Токбай был неоднократным победителем областных олимпиад народного творчества. Благодарные слушатели ласково называли певца – Тоха. В 1960 году Токбай встретился со своим старым другом-заслуженным деятелем искусств Казахской ССР Жусупбеком Елебековым, который предложил ему выступить с несколькими концертами по республиканскому радио. Многомиллионная армия слушателей была щедро вознаграждена любимыми песнями в исполнении Токбая Жумагулова. Ж. Елебеков записал песни Токбая на пластинку. В фондах музея литературы и искусства Бухар-Жырау хранится балалайка и уникальные записи песен Токбая. Уникальность певца Павлодарской земли Токбая Жумагулова в том, что он обладал сильным по звучанию, мягким, лиричным голосом, который очаровывал слушателей, прекрасно понимал душу музыки и песни. Это истинно уникальной самородок, талант, который оставил свой след на музыкальном небосклоне Павлодарской области. Несомненно, большое влияние на творчество Токбая сыграло взаимовлияние национальных культур Павлодарского края. Здесь имеется ввиду не только исторически сложившиеся связи казахского и русского народов, но и взаимное обогащение различных национальных культур данного региона.

Михаил Николаевич Пульга – музыкант, педагог, композитор, организатор и художественный руководитель народного мужского вокального ансамбля «Пламя», заслуженный работник культуры. М. Н. Пульга родился в феврале 1936 года в селе Леонидовка Щербактинского района Павлодарской области. В детстве любил слушать музыку, особенно народную – эту любовь ему передала его мама – Евдокия Харитоновна, которая сама очень хорошо пела народные песни и, частушки, и к музыке относилась с большой любовью и уважением. С шести лет он начал играть на балалайке, затем на гармошке, а так как на селе не было профессионального музыканта, то ему самому приходилось подбирать по слуху, и ещё до поступления в школу он уже играл на клубных вечерах. Песни павлодарского композитора Михаила Пульги широко известны не только в области, но и далеко за её пределами. Они звучат на радио, на концертах, смотрах-конкурсах. Многие коллективы художественной самодеятельности охотно включают их в свой репертуар. Песням Михаила Пульги присуща простота форм, мелодичность и задушевность. В них с большой теплотой и любовью поётся о степных просторах Прииртышья, о Павлодаре, о целине и Казахстане. Творческая биография Михаила Пульги началась очень рано. Ему было девятнадцать лет, когда он написал свою первую песню на слова А. Жарова «Беспокойная пора». Первая проба композиторских сил оказалась удачной, Затем увлечённость перешла в потребность писать новые песни. Любовь к гармошке у М. Н. Пульги воспитал его дед Харитон Михайлович, страстный любитель музыки, на войне у него была перебита правая рука, и он даёт внуку гармошку «попробовать». На областном конкурсе юных гармонистов он занимает первое место. В школе он научился играть на баяне и с этого времени стал постоянно выступать на школьных олимпиадах, где отличается его музыкальность и высокая техника исполнения, В1953 году, будучи учеником восьмого класса, М. Н. Пульга приглашён работать в Щербактинский Дом культуры баянистом. В годы службы в рядах Советской Армии М. Пульга для солдатской художественной самодеятельности пишет новые песни и пьесы «Солдатская кадриль», «Прощальный вальс», участвует в конкурсах баянистов, где занимает призовые места. После службы Михаил Николаевич возвращается в Щербакты и продолжает работать в Доме культуры теперь уже в должности художественного руководителя. В 1959 году он создает здесь народный хор, который сразу же завоевывает большую популярность в области, и пишет для него песни. Параллельно создает агитбригаду, которая дает многочисленные концерты для тружеников полей, и занимает первое место в республике. А Михаил Николаевич награждается дипломом Министерства культуры Казахской ССР и значком ЦК ВЛКСМ «За освоение новых земель». Для агитбригады написал сатирические куплеты «В году бывает только раз», а также «Вступительную» и «Заключительную» песни. Одновременно Михаил Николаевич продолжает дальше совершенствовать свое исполнительское и композиторское мастерство. Много выступает перед зрителями как баянист. В это время он написал музыкальную картинку для баяна «Воспоминание о Монголии», которая стала популярной особенно среди баянистов. В 1962 году по приглашению областного управления культуры М. Пульга вместе с семьей переезжает в город Павлодар, где создает хор русской песни Павлодарских речников. С этого времени начинается еще одна яркая страница его творческой биографии, именно здесь по-настоящему раскрывается его талант музыканта, композитора, организатора. Хор был своего рода творческой лабораторией для композитора, где получили путевку в жизнь многие его песни. В исполнении этого коллектива прозвучали впервые такие песни Михаила Пульги как: «Мой край», «Бригадиру тут легко ли?», «Целинная сторонка», «По вечернему городу», «Зори тихие» и многие другие, которые впоследствии стали потом широко известными и популярными по всему Павлодарскому Прииртышью, республике, многих регионах бывшего Советского Союза. В хоре пели участники из двадцати четырёх организаций города. И хотя хористы были разные по профессии, возрасту и национальности, всех их объединяла любовь к песне. Это был замечательный, дружный, талантливый коллектив. Хор отличался высокой культурой исполнения, чистотой звучания, никого не копировал, имел свое творческое лицо, свои песни. Сразу же после первого выступления о хоре Павлодарских речников заговорили по радио, стали писать в газетах. После очередного выступления хора на смотре областная газета «Звезда Прииртышья» писала «Этот хор известен оригинальной постановкой песен, искусством солистов». И это было действительно так : в хоре прошли хорошую вокальную школу солисты Александр Сикач, Клавдия Пульга, Валентина Иорданова, Людмила Аткина и многие другие. По инициативе Михаила Николаевича для хора, солистов, вокального дуэта и квартета, а также для танцевальной группы были заказаны и сшиты в Москве прекрасные костюмы. Хор был постоянным участником и лауреатом всех городских и областных смотров и конкурсов, часто выступал перед рабочими и тружениками полей, выезжал в другие города. Его снимали в телевизионном фильме «Иртыш – дорога голубая», где прозвучала песня Михаила Пульги «Речная лирическая». В центральной газете «Водный транспорт» была напечатана статья об этом коллективе, называлась она «Песни над Иртышом», где автор назвал хор профессиональным, ищущим, доставляющим радость и восхищение зрителям. Часто хор выступал с песнями Михаила Пульги по республиканскому радио. Газета «Звезда Прииртышья» писала тогда : «Судьба этого коллектива доказывает, что даже маленькое предприятие может иметь превосходную художественную самодеятельность, если руководит ею большой мастер своего дела». В 1965 году сразу же после окончания Павлодарского музыкального училища он был принят на работу в музыкальную школу № 1 города Павлодара педагогом по классу баяна, которой отдал 30 лет педагогического труда (с 1965 по 1995 годы). Как педагог М. Н. Пульга с большой ответственностью относился к воспитанию и обучению детей. Он часто выступает с методическими докладами и проводит открытые уроки на областных семинарах учителей музыкальных школ. М. Н. Пульга терпеливо прививал своим учащимся большой интерес к музыке, умело формировал их эстетические вкусы. Многие его ученики успешно трудятся в музыкальных школах области и за ее пределами, передавая свои знания детям, многие работают с коллективами художественной самодеятельности, многие из них стали профессиональными музыкантами. Михаил Николаевич принимает активное участие в педагогических концертах, в смотрах-конкурсах учительской художественной самодеятельности. Его педагогическая работа была неразрывно связана с композиторской деятельностью. К 40-летию музыкальной школы № 1 Михаил Николаевич написал «Песню о школе», которая впервые была исполнена ее учащимися на юбилейном концерте. Со студенческим хором и вокальным ансамблем Павлодарского медицинского училища, которые являлись лауреатами городских и областных смотров-конкурсов, он часто выступает по радио и телевидению, пишет для них песни. К 25-летию медицинского училища им написана «Песня о медучилище», которую они теперь поют на всех вечерах и мероприятиях. Она стала для них музыкальной эмблемой. В 1973 году композитор создает на комбинате ЖБИ-4 (комбинат железобетонных изделий) вокальный ансамбль «Русская песня», который успешно выступает на концертах и смотрах, о нем пишут газеты. Для этого ансамбля он написал «Песню о строителях». В 1974 году областное управление профтехобразования приглашает его на должность художественного руководителя ансамбля песни и танца «Голос юности», с которым он едет на VI республиканский фестиваль учащихся профтехобразования в г. Алма-Ату, где ансамбль занимает первое место, а песня М. Пульги «Целинная сторонка» удостаивается диплома первой степени. В 1976 году с этим ансамблем Михаил Николаевич едет в Караганду на Ш тур Всесоюзного фестиваля народного творчества, где ансамбль занял первое место и ему вручены золотые медали. Для ансамбля М. Пульга написал музыку к сюите «Праздничная урожайная», песню «Сторона моя Прииртышья», «Иртышский хоровод» и другие. Как руководитель ансамбля, и как композитор на этих фестивалях Михаил Николаевич был отмечен специальными наградами, медалями и дипломами. Музыка и песня – то прекрасное чудо в жизни Пульги М.Н., которое сделало его настоящим подвижником. Искусство формировало в его воспитанниках эмоциональный строй души, развило творческое воображение, высокую творческую одухотворённость. В 1974 году он создает мужской вокальный ансамбль «Пламя» при областном Доме культуры профтехобразования (теперь это ДК Департамента образования) и вот уже много лет является его бессменным руководителем. Михаил Николаевич сумел увлечь своих единомышленников и создал такой уникальный ансамбль, который знают и любят не только у нас в Павлодаре, но и далеко за его пределами. Ансамбль много выступает на ответственных концертах, перед самой разной публикой, которая очень тепло принимает каждое его выступление. Ему аплодировали зрители Алма-Аты, Талды-Кургана, Кокчетава, Семипалатинска, Минска, Анапы и других городов. Особенно много концертов было дано для ветеранов Великой Отечественной войны в годы празднования Победы над фашистской Германией. С каждым годом растет исполнительское мастерство и популярность ансамбля. В нем поют люди самых разных профессий, возрастов и национальностей. В 1981г. ансамблю присвоено звание «Народный». Он является лауреатом Всесоюзных фестивалей народного творчества, победителем Республиканского конкурса политической песни в городе Талды - Кургане. В 1977 году ансамбль успешно выступил на Всесоюзном конкурсе политической песни в городе – герое Минске, где удостоился звания дипломата и был снят Центральным телевидением для программы «Народное творчество». На этом конкурсе Михаил Николаевич был награжден дипломом «За высокое профессиональное мастерство», были отмечены дипломами и песни М. Пульги, представленные на этот конкурс – «Песня памяти», «Всадник Октября», «Комиссары». Надо сказать, что песни Михаила Пульги, написанные специально для этого замечательного коллектива, прочно вошли в его репертуар. Такие песни, как : «Пламя памяти», «У нас в руках рабочая профессия», «Всадник Октября», «Горят огни над Павлодаром», «Черемуховый цвет» и другие, постоянно звучат во всех его концертах. У композитора есть музыкальные произведения для баяна, оркестра народных инструментов, но песня по-прежнему занимает главное место в его творчестве. Круг тем его произведений достаточно широк, он включает в себя песни лирико-драматического и гражданского плана. («Казахстан», «Вспоминай о целине», «Павлодарочка», «Белеют ромашки», «Солдатские мамы» и другие). Каждая песня, написанная композитором, прошла через его сердце. Многие из них удостоены звания лауреата на всевозможных смотрах и конкурсах. Песня «Бригадиру тут легко ли?» лауреат первого областного конкурса павлодарских композиторов. Песня «О Павлодаре» заняла первое место в республиканском радиоконкурсе на лучшую песню о городе. «Целинная сторонка» удостоена диплома первой степени на VI республиканском фестивале учащихся профтехобразования в г. Алма-Ате. Песня «Комиссары» стала лауреатом Всероссийского смотра художественной самодеятельности и прозвучала по центральному телевидению из Москвы со сцены Кремлевского Дворца съездов. «Мой Казахстан» лауреат третьего областного конкурса самодеятельного музыкального и поэтического творчества. Песня «Пламя памяти» стала победительницей Всесоюзного конкурса политической песни в городе Минске и была снята Центральным телевидением для программы «Народное творчество». Песни Михаила Пульги прошли испытание временем, многие из них стали популярными. Способность понимать и чувствовать прекрасное, является критерием и стимулом для развития творческих способностей музыканта-композитора. Михаил Пульга пишет песни на стихи многих поэтов, обладающих разными творческими почерками, таких как: А. Жаров, К. Долматовский, Л. Бережных, А. Скоромыкин, Ф. Карбушев, В. Меньшиков и другие. Но есть авторы, с которыми его связывает постоянная творческая дружба. Это поэты – павлодарцы: Дмитрий Приймак, Виктор Семерьянов, Сергей Музалевский, Валерий Бутов. Республиканское радио подготовило большую передачу о творчестве Михаила Пульги. В музыкальном очерке, который назывался «Слышны переборы баяна» прозвучали уже известные и новые его песни, а также рассказ о творческом пути композитора. Михаил Пульга принимает самое активное участие в общественной жизни. Он член правления областного отделения Союза музыкальных деятелей, член Совета объединения самодеятельных композиторов. Ежегодно с большим успехом проходят его творческие отчеты как композитора, музыканта, певца перед общественностью города и жителями сел. Большое внимание он уделяет воспитанию молодежи, много сил и времени отдает своей работе. Михаил Николаевич никогда не остается в стороне от культурных событий города, области, республики. В 1988 году его песни исполнялись на VIII съезде композиторов Казахстана в городе Алматы. К 50 - летию Победы им написано несколько песен. Это «Ветеранские льготы», «Невесты-вдовы» и другие. Певцом Павлодарского Прииртышья называют Михаила Николаевича Пульгу, чье имя хорошо известно любителям песенного творчества. Его творческая биография неразрывно связана с освоением целинных земель, промышленным развитием Павлодарского Прииртышья, написанные им песни славят родной край, его тружеников. Лауреат I и II Всесоюзных фестивалей народного творчества. Награжден медалью «Ветеран труда», дипломами Союза композиторов СССР, Министерства культуры Казахской ССР, областного управления культуры и многими почетными грамотами.

Ширинкин Владимир Сергеевич родился в 1936 году в городе Славгороде Алтайского края. С первых дней Великой Отечественной войны отца назначают военным комиссаром. Частые переезды из города в город, житейские неудобства, не нарушили привычной семейной атмосферы и человеческих радостей. В семье любили музыку, часто пели в свободные минуты. Учась в школе, он активно участвует в школьной самодеятельности. Уже тогда появилась у Владимира сокровенная мечта и желание – стать музыкантом, постичь таинства музыки. Но друзья и знакомые скептически отнеслись к его выбору, убеждая, что музыка – увлечение, а не специальность. На какое-то время Владимир действительно поверил и занялся спортом. Но музыка с новой силой влекла его к себе и окончив школу он поступает на работу художественным руководителем в Дом учителя города Талды-Кургана. Счастливый случай свёл его с пианисткой А. М. Колесниковой, которая увидев незаурядные музыкальные способности юноши, настоятельно рекомендует ему поступать в музыкальное училище. В 1957 году он поступает в Алма-Атинское музыкальное училище им. П. И. Чайковского на хоровое-дирижерское отделение в класс известного педагога В. Г. Минькова, а с 1958 года параллельно обучался и на теоретическом отделении. На всю жизнь останутся в памяти Владимира Сергеевича имена добрых, но требовательных педагогов Э. Г. Феллера, В. А. Писмарёвой, А. В. Бычкова. Будучи студентом, он сочиняет свою первую песню на слова поэта-фронтовика А. Недогонова «Почта сарафанная». Песня стала отправной точкой в творчестве молодого музыканта и композитора. Вслед за первой появляются новые его песни: «Девичья песня», «Над густой берёзою». С 1961 года Владимир Сергеевич работает преподавателем в музыкальном училище им. П.И. Чайковского. С этого времени начинается и его плодотворная композиторская деятельность. Знакомство с павлодарскими поэтами С. Музалевским, В. Семерьяновым, Ж. Нуркеновым, Н. Каюровым и другими дало новый толчок в творчестве Ширинкина – композитора. В содружестве с ними он пишет, ставшие широко известными песни о родном крае: «Доброе утро моё Прииртышье» (слова В. Семерьянова), «Лирическая» (слова Н. Каюрова), «Приходи к черёмухе» (слова В. Бороздина), «У Иртыша» (слова Ю. Адаменко) и другие. Его песни прочно вошли в репертуар многих самодеятельных коллективов нашей области, их слышали в Москве, Омске, Ташкенте, Барнауле, Алма-Ате, Рубцовске, в других городах и сёлах страны. Часто его песни исполняются по областному радио, а песня «Мать» на слова вьетнамского поэта Тхань-Хая прозвучала во Всесоюзной программе радиостанции «Юность» в исполнении преподавателя музучилища А. В. Ушкаца. У Владимира Сергеевича написано немало песен, посвященных героическому подвигу советских солдат в годы Великой Отечественной войны. Воспитываясь в семье офицера, ему пришлось много ездить по военным городкам, встречаться с бывалыми фронтовиками, слушать их рассказы о трудном военном лихолетье. Эти детские впечатления глубоко запали в душу, они волнуют его и сейчас. Поэтому и родились его замечательные, полные драматического содержания песни: «Когда нет войны» (слова С. Музалевского), «Мальчишка, не вернувшийся с войны» (слова Н. Каюрова), «Старая дорога» (слова В. Семерьянова), «Песня о винтовке и шинели» (слова В. Чугунова), «Тропа памяти» (слова В. Бутова) и другие. За тридцать лет своей творческой деятельности В. С. Ширинкин написал около 60 различных по характеру и жанру произведений. Большая часть из них – песни, но есть и немало инструментальных пьес для виолончели, скрипки, духового оркестра, оркестра русских народных инструментов. Безграничным чувством любви наполнено сердце Владимира Сергеевича к детям. И эти чувства он старается передать и раскрыть в своих песнях для детей, проникнутых душевным теплом и радостью. Ведь без любви к детям он вряд ли бы смог написать такие замечательные песни как: «Лада ласковая» (слова В. Затродного), «Павлодарский ветерок» (слова Д. Примака), «Друзья-товарищи» (слова С. Маршака), «Спи, мой маленький» (слова Ф. Карбушева) и другие. Любовь к детям выражена не только через его композиторское творчество, оно проходит через его человеческие качества как педагога и воспитателя. Трудно сегодня вспомнить Владимиру Сергеевичу тех, кому за тридцать лет своей педагогической работы он отдал частицу своих знаний, тепло души и сердце. Педагогом, как и композитором надо родиться. Музыка Владимира Ширинкина обладает одним важнейшим качеством: индивидуальностью творческого почерка, своеобразием интонационного стиля. И эта индивидуальность проявляется не только в манере письма, не только в музыкальной технологии, но и в самом мировосприятии композитора. Творчество Ширинкина В. С. неизменно обращено к широким массам, оно наполнено большим общественным содержанием, проникнуто ясными гуманистическими идеалами. Слушая его произведения – от ранних, до созданных в зрелом возрасте, всегда удивляешься той незаурядности таланта, которая позволяет ему создавать произведения искренние, увлекательные, свежие, всегда молодые духом. В своих произведениях он не только требователен, но и очень конкретен в своих требованиях, потому что знает, к чему стремиться, знает, как лучше выразить свою музыкальную мысль. Владимир Сергеевич много выступает с творческими концертами в школах, институтах, техникумах, клубах и Домах культуры, на предприятиях и в учреждениях. И везде его песни пользуются большим успехом у слушательской аудитории. Песни, созданные Владимиром Ширинкиным, звучали по республиканскому радио, они включены в репертуары самодеятельных коллективов Рубцовска, Барнаула, Омска, Новосибирска. Заметный вклад вносит В. Ширинкин в развитие самодеятельного художественного творчества и как руководитель. Многие годы он успешно руководил рядом самодеятельных коллективов, добиваясь успехов на смотрах, конкурсах и фестивалях. Более 16 лет он руководил ансамблем русских народных инструментов в народном хоре русской песни Дворца культуры ПО Павлодарский тракторный завод, где проявился его талант умелого инструментальщика. По-новому зазвучали песни известных советских композиторов и самодеятельных авторов. Владимир Сергеевич – член областного объединения самодеятельных композиторов. Свои знания и большой творческий опыт он щедро передает другим, являясь членом Совета объединения и репертуарно-редакционной комиссии. В 1986 году с большим успехом прошел его юбилейный творческий вечер, организованный объединением самодеятельных композиторов. За трудовые и творческие успехи Ширинкин В. С. награжден многочисленными дипломами, почетными грамотами областного, республиканского и Всесоюзного значения, медалью ВЦСПС «За развитие самодеятельного творчества». В 1987 году награжден дипломом Союза композиторов СССР и медалью лауреата Второго Всесоюзного фестиваля народного творчества, посвященного 70-летию Великой Октябрьской социалистической революции.

Кромер Гильда Эрнстовна – стоит у истоков профессионального музыкального образования в Павлодарской области. В фондах Государственного архива Павлодарской области хранится много документов о ее биографии и деятельности. Гильда Эрнстовна Кромер родилась 17 июня 1904 года в немецкой колонии Екатеринфельд Тифлисской губернии, ныне город Болниси в Грузии. В 1921 г. Г. Э. Кромер стала студенткой Тифлисской консерватории по классу скрипки профессора В. Р. Вильшау. В течение всего периода обучения, то есть до 1931 года одновременно Г. Кромер училась в первой женской гимназии, которую окончила в 1926 году. В 1928 году Кромер была приглашена в Грузинский драматический театр в качестве концертмейстера оркестра. В сентябре 1931 года по направлению Наркомата просвещения Грузинской ССР для совершенствования музыкального образования Г. Кромер была принята в школу мастерства при Ленинградской консерватории в класс профессора Иоанеса Романовича Налбандяна. В 1934 году, как ей и обещал Наркомпросс Грузии, Г. Кромер вновь вернулась в Ленинград, чтобы продолжить занятия в Институте усовершенствования педагогов - исполнителей. Так как она изъявила желание работать по педагогической линии, профессор Л. И. Сигал устроила Гильду Эрнстовну педагогом по классу скрипки в школу художественного воспитания детей при Доме культуры имени М.Горького кировского района города Ленинграда. Одновременно в Институте усовершенствования педагогов – исполнителей Г. Кромер была ассистентом Л. М. Сигал. В 1940 году Кромер Г. Э. окончила Ленинградский Институт усовершенствования педагогов-исполнителей. В 1941 году она собиралась поехать в родную Грузию, но начавшаяся война помешала этому. В сентябре 1941 года Кромер была направлена на работу в детский сад №36 Свердловского района города Ленинграда. С 1943 году Кромер живет в Павлодаре. В 1948 году Гильду Эрнстовну пригласили на работу в Павлодарское педагогическое училище в качестве заведующей кабинетом музыки и в детскую музыкальную школу педагогом по классу скрипки. В музыкальную школу принимали всех желающих детей. Педагоги вместе с учениками давали много концертов и этим привлекали внимание населения. Школа быстро росла и стала центром музыкальной культуры города и области. По инициативе Кромер Г. Э. был организован лекторий, где рассказывалось о замечательных композиторах, музыкантах, музыке, песне, классической музыке, педагогами и учениками школы исполнялись музыкальные произведения, лекторий принёс в жизнь коллектива и учащихся много творческих радостей и вдохновения. В то время школа размещалась в помещении историко-краеведческого музея, для неё там было выделено три комнаты. Музыкальных инструментов было немного : два фортепиано и один баян. В 1949 году музыкальной школе было выделено здание по улице Луначарского. Кромер Г. Э. показала себя подвижником-музыкантом, которая укрепляла не только европейское музыкальное искусство, но и казахскую национальную музыкальную культуру. Гильда Эрнстовна Кромер в 1955 году назначается директором Павлодарской детской музыкальной школы. В 1956 году был сдан в эксплуатацию Дом культуры алюминиевого завода им. 25 лет ВЛКСМ. По просьбе дирекции завода был открыт филиал детской музыкальной школы на «Алюминстрое». А в 1957 году здесь же открывается вечерняя музыкальная школа. Уже в 1958 году филиал на «Алюминстрое» был преобразован в самостоятельную музыкальную школу №2 города Павлодара, директором которой стала А. В. Егорова-Лопатина. К 1959 году Павлодарская музыкальная школа № 1 значительно выросла и окрепла. Контингент учащихся составил более шестисот пятидесяти человек. Педагогический коллектив школы вёл большую общественную работу в городе и области, занимался пропагандой музыкальных знаний. Популярность и авторитет музыкальной школы возрос ещё больше благодаря лекторской и концертной деятельности педагогического коллектива. Кромер Г. Э. обратилась с ходатайством в областной комитет Компартии Казахстана об открытии в городе Павлодаре музыкального училища. Обком поддержал её инициативу. В июне 1959 года Совет Министров Казахской ССР принял решение об открытии музыкального училища в городе Павлодаре с контингентом шестьдесят человек. Первого июля 1959 года Кромер Г. Э. назначили директором музыкального училища. Училище разместилось в филиале средней школы № 5. Мысль о создании малого симфонического оркестра зародилась у Гильды Эрнстовны давно. Будучи директором музыкальной школы, она старалась не упускать ни одной возможности приобрести нужные для оркестра инструменты. В 1963 году училище достаточно окрепло, было уже три курса, настало время создания симфонического оркестра. В феврале 1962 года на сцене драматического театра училищем проводился традиционный отчётный концерт. Появление во втором отделении концерта симфонического оркестра вызвало в зале бурю аплодисментов, общественность города Павлодара горячо приветствовало родившийся коллектив. Председатель колхоза 30-тилетия Казахской ССР, Герой Социалистического Труда Яков Германович Геринг в 1966 году открыл Дом культуры. У истоков открытия при Доме культуры музыкальной школы стояла Г. Э. Кромер. Уже в мае 1967 года в Доме культуры был дан первый отчётный концерт для тружеников колхоза. Впервые здесь, в селе, услышали детский хор, ансамбль скрипачей, маленьких баянистов, трубачей. Этот концерт стал хорошей пропагандой по привлечению детей колхозников к занятиям музыкой.

Егорова-Лопатина Агния Владимировна – выпускница Бостонской консерватории по классам фортепиано и вокала работала в Китае в Российском посольстве. У неё было великолепное меццо-сопрано, чистое и мощное. Старожилы помнят её пение в шестьдесят лет. Сама по внешности красавица, она обладала прекрасным голосом, прожила трагическую, но полную жизнь. Павлодарская народная оперетта по праву считается её детищем, её творческой идеей. Многогранность дарования Егоровой-Лопатиной А. В. выразились в развитии этого весёлого зажигательного искусства: здесь она была режиссёром, сценаристом, артистом, преподавателем по вокалу. Она горячо отстаивала и пропагандировала идею о том, что музыка должна быть неразлучна с народом, с почвой этого народа, с его историческим развитием. Сведений об истории создания уникального образца музыкального творчества – народной оперетте, рождение которого произошло в Павлодаре благодаря такому прекрасному музыканту, организатору Егоровой-Лопатиной А. В. почти нет. В музее литературы и искусства им. Бухар-Жырау имеются немногие воспоминания бывших участниц коллектива оперетты Калентьевой Людмилы Алесандровны и Кубатько-Асеевой Людмилы Ивановны. Муж Егоровой-Лопатиной Иван Пантелеймонович Лопатин имел сильный баритональный голос и мог петь партии в оперетте. Он часто выступал перед зрителями с сольными концертами. В оперетте «Вольный ветер» он пел и исполнял роль Галя (хотя по профессии он был скульптор). Небывалое изумительное явление в сфере искусства – народная оперетта – в Павлодарском крае за время своего существования была центром досуга не только жителей Павлодара, но и его гостей. Коллектив оперетты знакомил слушателей с замечательными образцами музыкальных спектаклей: «Вольный ветер» И.Дунаевского, «Девичий переполох», «Поцелуй Чониты» Милютина. Художественным руководителем оркестра оперетты был Артур Александрович Меттус. Постановки проводились в зале Дома культуры профтеобразования. Народная оперетта в Павлодаре просуществовала семь лет с 1963 года по 1970 год. Из воспоминаний известно, что в 1960 году директор детской музыкальной школы на «Алюминстрое» Егорова-Лопатина А. В. была руководителем хорового кружка в Доме культуры имени Ленинского комсомола. Она, видимо, давно задумалась о создании оперетты в городе Павлодаре. Певцов в хор она подбирала очень тщательно: её интересовали не только вокальные данные, но и артистические способности. Егорова-Лопатина давала им несложные задания по школе актёрского мастерства, занималась постановкой голоса, добивалась, как сама говорила, «культурного звучания». Она научила петь и сделала мастерами вокала Михаила Толла, Ивана Ходуса, из павлодарских талантов отыскала в оперетту, которые могли петь классику Царёву Эллу, Владимира Васильева, Рудольфа Нефф. Много сил, энергии и здоровья отдала Агния Владимировна, чтобы к первой премьере оперетты «Девичий переполох» Милютина были сшиты костюмы, сделаны декорации, много усилий было потрачено, чтобы зазвучал настоящий живой оркестр, которым руководил Егор Егорович Конради. «Девичий переполох» зрителями был встречен овациями.

Анализируя состояние художественной жизни Павлодара, можно с уверенностью сказать, что павлодарские художники достойно занимают свою нишу среди замечательной когорты казахстанских художников. К сожалению, на сегодняшний день в Павлодаре мало местных профессиональных художников-скульпторов. В основном заказы выполняются приглашенными известными казахстанскими художниками. Именно они заложили ту платформу, на которой сейчас работают павлодарские художники. Не все были с профессиональным образованием. Были просто очень талантливые люди, они много работали во вновь созданных художественных мастерских. Среди них был Иван Пантелеймонович Лопатин.

Скульптор И. П. Лопатин – русский человек, семья которого по воле судьбы оказалась в Китае. Родился в Маньжурии на станции Якэши. Семья была из крестьян. До эмиграции родители жили в Чите. Сложные политические события октябрьской революции заставили их покинуть родные места. В Китае, в тот период времени, было много эмигрантов из разных стран. Русское сообщество было наиболее дружное. Семья жила в городе Дальнем, затем в Харбине. Как вспоминал сам скульптор, это был маленький островок русской жизни. Люди разных сословий, среди них были и дворяне, старались сохранить родной язык и родную культуру. Подростком Иван Лопатин поступает в электромеханический техникум в г. Харбине. После окончания учебы, работая на сталелитейном заводе «Маньсюкоки», во время электротехнических работ потерял руку. Сорок дней пролежал в больнице, и только огромная сила воли, и желание выжить, во что бы то ни стало, помогли ему начать все сначала. В тот период ему было 16 лет. Казалось бы, что с любимым увлечением покончено. Но и здесь сказался сильный волевой характер. Он продолжал свои занятия. После 1952 года СССР инициировал вторую волну репатриации харбинских русских. Собрав вокруг себя единомышленников, Иван Лопатин организовал большую группу русских эмигрантов, готовых уехать из Китая. К середине 1960-х годов практически всё русское население оставило Харбин. С 1956 года вся жизнь И. П. Лопатина была связана с Павлодарским Прииртышьем, откуда ездил четыре года в Новосибирск, брал уроки у скульпторов-профессионалов. Вот это и была его основная школа, а все остальное он постигал на практике самостоятельно. Для скульптора И. Лопатина важную роль сыграли его творческие поездки в г. Переславль-Залесский в Дом творчества им. Д. Н. Кардовского. Проводимые там курсы скульптурного мастерства дали возможность работать более плодотворно. Именно здесь произошла судьбоносная встреча с московским скульптором Ипполитом Ипполитовичем Виноградовым, которая позже переросла в крепкую дружбу и творческое сотрудничество. В Москве, будучи в гостях у И. И. Виноградова, он знакомится с известным архитектором, лауреатом Государственной премии СССР Дмитрием Сергеевичем Витухиным. Возникает идея создать совместный проект грандиозного монумента, посвященного Победе советского народа в годы войны и установить его в Павлодаре. Московский скульптор И. И. Виноградов (ученик Екатерины Белашовой) приезжает для этого в Павлодар и остается здесь навсегда. Участник Великой Отечественной войны, он в своем творчестве воплощал высокую идею победы советского народа над врагом. В ремонтной организации при алюминиевом заводе изготавливались высокие стелы. И. П. Лопатин привозил металл и у себя в мастерской сваривал из него звезды для вечного огня. Уже после смерти И. П. Лопатина эти звезды заменили на бронзовые. К сожалению, полностью воплотить в жизнь разработанный проект не удалось, в силу ряда причин, не зависящих от авторов. Основная часть проекта была реализована, а часть – женская фигура, олицетворяющая Родину-мать, не вошла в ансамбль и была установлена совсем в другом месте. Монумент украшает один из центральных парков Павлодара. Горит вечный огонь, люди несут сюда цветы. По воспоминаниям друзей, родственников, Иван Пантелеймонович был необыкновенно позитивным человеком. В своем творчестве он стремился передать собственное ощущение значимости человеческой личности в самых разных ипостасях. Одной из лучших его работ является портрет американского певца Поля Робсона популярного в СССР в 50-ые годы. Созданию этой работы предшествовала личная встреча и беседа с певцом в Москве в 1959 году. И. П. Лопатиным было создано 12 обелисков Славы в селах и райцентрах Павлодарской области, в г. Курчатове, в соавторстве с архитектором И. Соболевым, в с. Михайловка Алтайского края. Среди творческих работ: памятник К. Камзину в г. Павлодаре в соавторстве с архитектором В. Юровским, памятник К. Сатпаеву в районном центре Павлодарской области Баянауыл, памятник на могиле Естая в Актогайском районе Павлодарской области. Созданная им галерея бюстов героев – участников Великой Отечественной войны и по сей день напоминает нам об их подвигах. Чтобы оставить память о замечательных людях, живших в нашем городе и области, он создавал мемориальные доски на фасадах домов, где они жили.

Лагутин И. В. – патриарх музейного дела, работник культуры, художник, краевед, фотограф. Родился в июле 1913 года, в деревне Александров Гай Самарской губернии. В 1920 году его родители перебрались в Южную Сибирь, точнее, сначала в Черноярку, а через время в Павлодар. С тех пор и навсегда Павлодар вошел в его жизнь. Здесь в стенах школы состоялись знакомство и дружба юного Ивана Лагутина с русским художником-передвижником Виктором Павловичем Батуриным.

В 1958 году И. В. Лагутин становится создателем и директором первого музея в Павлодаре – областного художественного музея. Своими заботами и хлопотами он поспособствовал созданию второго в Павлодаре и первого в Казахстане областного Художественного музея. Его началом стал небольшой отдел изобразительного искусства в краеведческом музее, организованный по инициативе Ивана Васильевича, и его руками. Лагутин создатель первой мемориальной летописи Павлодара: первая мемориальная доска висит на доме-музее Д. П. Багаева (надпись на металле, что в этом доме с 1905 по 1958 годы жил краевед, фотограф Дмитрий Поликарпович Багаев).

Таким образом, в создании и развитии художественно-эстетической среды в Павлодарском Прииртышье значительную роль сыграли деятели культуры и искусства. Художники Павлодарского Прииртышья обогатили панораму художественного пространства Республики Казахстан программными и ключевыми произведениями, созданными на основе синтеза традиционной национальной культуры и изобразительной культуры ХХ века. Творчество художников: В. П. Батурина, И. В. Лагутина, Г. Н. Каржасова, А. Е. Игембаева, П. Г. Лысенко, А. И. Бибина, В. Ф. Поликарпова, композиторов : А. И. Шиллера, А. А. Меттуса, М. Н. Пульги, основателей и пропагандистов художественной жизни региона Павлодарского Прииртышья : Г. А. Балтер, Г. Э. Кроммер, А. В. Егорова-Лопатина является национальным историко-культурным достоянием Республики Казахстан.

Многообразие форм художественной жизни Павлодарского Прииртышья, среди которых художественное образование, выставочная и концертная деятельность, музейное дело, активная самореализация творческих личностей обеспечили формирование продуктивной художественно-эстетической среды. Как следствие, получили развитие в регионе определенные образовательные формы: специализированные мастерские и художественно-промышленные школы, которые не только осуществляли подготовку профессиональных и художественно-педагогических кадров, но и оказывали влияние на процесс развития художественной культуры путем слияния народного и профессионального видов творчества.